ROCK 101 IDEA MUSICAL 100.9

Celebrando 50 años de Rock: Kundalini por Armando Molina ...

2011-02-25T00:33:00.002-06:00

Por Beto Cronopio...

Mi gran amigo Armando Molina festeja sus 50 años de carrera en el Rock presentando su disco Kundalini, distribuido por Emi Music y que ya se encuentra disponible en las tiendas MixUp.

Debido al afecto que le tengo, no me considero calificado para hacer una reseña objetiva de su disco, se lo dejo a los expertos. Tan solo diré que tengo la teoría que su tecladista (que también es su director musical) es un ser de otro planeta, muy bueno el tipo; el hecho de meterle metales y flauta le da un sabor muy rico a las rolas (reminisencias del Ritual, Santana y Chicago).

Mucha gente ubica a Armando Molina como el Organizador del Festival de Rock y Ruedas de Avándaro, pero además es un excelente músico, toca el bajo, la guitarra, el piano y canta. También es compositor. Prefiero hacer una muy breve reseña de otras facetas de Armando:

- Formó un grupo llamado "La Máquina del Sonido" y su gran éxito fue la versión en español de la Rola In a Gadda da Vida.

- Además fue editor de las míticas revistas México Canta y Pop, referencia obligada en los 70's.

- Tiene inédito un libro sobre el festival, su título provisonal es: "Avándaro, todo lo que se dijo y no se dijo".

- Produjo muchos discos de rock mexicano por ejemplo los del grupo El Ritual.

- Ha tocado con: Los Shakes, Los Sinners, Los Monjes, Méxiko 13, Rey Dragón, Los Hitters, Roberto Jordan, Los Camisas Negras, Los Jokers, Javier y la "Baby" Bátiz, los Locos del Ritmo, etc.

- Como productor trajo a México a Eric Burdon, Wild Child (el mejor grupo de covers de The Doors), Canned Heat.

- Como productor de T.V. trabajó al lado del psicomago Alejandro Jodorowsky en el programa "Happening a go go ".

- Conoció a la sacerdotisa de los hongos Maria Sabina.

- Asistió a un concierto de Jimi Hendrix en Los Angeles California,

- Entrevistó a algunos jugadores de la Selección de Brasil en los vestidores del Estadio Azteca cuando ganaron la final en el Estadio Azteca en 1970, si, incluyendo a Pelé y conoció la Jules Rimet!!!.

- También es instructor en el Instituto Gnóstico de Antropología.

- Tiene una colección de viniles y memorabilia bastante respetable.

En la actualidad creo que está muy devaluada el término "Grupo de Rock" pero Armando Molina y la Máquina del Sonido toman el micrófono, sus instrumentos y nos dicen: Música con Actitud hecha por el gusto de rockear!!!.

Tocan a sus fans en lo profundo...

2011-02-24T10:23:00.004-06:00

Por: Miguel A. González

(24-Feb-2011)

Con un Auditorio Nacional medio vacío, el sonido de un artista puede encargarse de llenar los espacios restantes, y eso es lo que demostró Deep Purple la noche del martes, ante casi 5 mil 500 personas que, según los organizadores acudieron.

El rock sinfónico y psicodélico del grupo inglés bastó para hechizar los oídos de los asistentes en la primera de dos fechas, y que fue la segunda en abrirse a la venta, ya que el show de anoche sí tendría boletaje agotado.

Desde las 21:05 horas, cuando apareció el quinteto para entregar "Highway Star", los gritos y aplausos del público acogieron a Ian Gillan (voz), Steve Morse (guitarra), Roger Glover (bajo), Don Airey (sintetizadores) e Ian Paice (batería), quienes mostraron sonrisas y devolvieron con alta potencia sonora el recibimiento.

El cantante, de 65 años, interactuó con la audiencia en contadas ocasiones, se movía lentamente y ponía todo su empeño en tratar de alcanzar las notas más altas; además, dosificaba su presencia para dejar paso al lucimiento de sus compañeros en diversos solos, que eran correspondidos con júbilo por los fans.

Pero Gillan no necesitaba más que su voz, sin alardes, para dominar el escenario y atrapar la atención al ritmo de "Maybe I'm a Leo", "Strange Kind of Woman", "Rapture of the Deep" y la reciente "Silver Tongue", entre otras.

"Hola, ¿cómo están? Para nosotros es un placer estar aquí y ver caras felices, gracias", comentó el líder de la formación, y de vez en cuando repetía frases como "los queremos" y "¡fantástico!".

Una veintena de canciones deleitaron a los seguidores del grupo, incluso en pasajes instrumentales y solos ejecutados por Morse, Airey y Glover, y mientras el guitarrista recibía aullidos de euforia por su técnica, el tecladista hizo patente su dominio en el órgano Hammond e incorporaba numerosas melodías clásicas con endemoniada soltura, a veces en la oscuridad del fondo del escenario o bajo destellos púrpuras, azulados y rojizos.

Entre los temas más esperados y coreados de la noche figuraron los que cerraron el concierto, "Perfect Strangers", "Space Truckin'" y "Smoke on the Water", el gran clásico de la banda, mientras precisamente humo surgía del fondo y el vocalista invitó al público a participar...

"¡No se oye, más fuerte!", señalaba.

Todos seguían su indicación, entre ellos la familia Lora al completo, pues Álex y Chela, sentados en una de las primeras filas, incluso salieron en las pantallas del lugar cantando a todo pulmón, como cualquier otro admirador de la banda.

Tras sólo un par de minutos de ausencia, Deep Purple retornó a escena, sin su líder, para ejecutar en el encore "La Bamba" en señal de complicidad con los mexicanos, y, acto seguido, el canto de la multitud se apreció de nuevo en el estribillo de la popular "Hush". Al ritmo de "nah-nah-nah-nah" artista y fans se volvieron uno solo y dejaron felicidad, después, en cada bando.

Cerca de las 22:50 horas, "Black Night" hizo presagiar el final del sueño de rock progresivo, y, al encenderse todas las luces, los músicos agradecieron el favor de los presentes y mostraron satisfacción, que esperan repetir hoy en Monterrey y el domingo en Guadalajara.

Una noche tono púrpura

5500 fans asistieron el martes al concierto

20 canciones interpretaron

5 minutos duraron los solos de Morse y Airey

4 shows tiene Deep Purple en México

Impone Waters su muro a la guerra ...

2010-12-19T19:56:00.006-06:00

El legendario músico presentará el show en el
Palacio de los Deportes
los días 18, 19 y 21 de diciembre

Por: Omar Cabrera

Ciudad de México (14 diciembre 2010).- Roger Waters quiso montar una vez más su espectáculo The Wall, basado en el disco de Pink Floyd publicado en 1979, porque el mensaje de lo innecesario que son las guerras sigue vigente y ahora, resulta urgente.

El músico, quien presentará el show en el Palacio de los Deportes los días 18, 19 y 21 de diciembre, afirmó en una entrevista que los gobernantes del mundo aún mantienen la idea de que para ser poderosos hay que someter a la gente, decirle a quién deben temer y cómo deben actuar.

"Hemos incrementado el número de guerras sin sentido, innecesarias, inhumanas, ridículas. Uno esperaría que fueran desapareciendo, pero no es así, en particular las que mi país (Gran Bretaña) y el país en el que vivo (EU) se han involucrado, especialmente Iraq y Afganistán.

"¿Cuál es el punto con esas guerras? Aquellos que las impulsaron tienen una forma imperial de ver el mundo. Tienen en su agenda que hay que acumular abundancia y poder. Si esa es la agenda, claro que habrá guerras, te importa un carajo que la gente muera o sufra", acusó.

La premisa del disco The Wall (1979) y su ópera rock posterior (1980) era la de un músico que decide levantar un muro para aislarse del mundo por el temor que le tiene.

Pero para su nuevo espectáculo, del cual tiene previsto realizar 75 presentaciones en varios países, Waters afirmó que decidió darle un giro con el que hiciera referencia no sólo a ese músico del primer montaje, sino que fuera un espejo de los países que han tratado de controlar a su gente.

"La historia original de 1979 se podría considerar como una alegoría de la situación política que es muy relevante ahora. Somos controlados por el poder, que nos dice que necesitamos cuidarnos de las malvados que son diferentes a nosotros y nos dice a quiénes debemos temer. Pensé que sería bueno trabajar en ese significado para el show", comentó Waters, quien inició en enero los trabajos para el nuevo montaje.

"La pieza es sobre el temor y la rebelión. Sobre la rebelión contra el miedo. The Wall es sobre un joven temeroso que se separa a sí mismo de otros hombres con un muro porque tiene miedo y le da vergüenza. Para mí esa es una alegoría de la forma que actúan las naciones", señaló en referencia a que países como EU se resguardan en sus fronteras por temor a ser atacados por otros.

Por eso, para el británico, tanto George Bush como Tony Blair, ex mandatarios de EU y Gran Bretaña, respectivamente, deberían estar en la cárcel, pues son los responsables principales de haber destruido cientos de vidas sin razón con su participación en las guerras de Iraq y Afganistán.

Waters dijo que la gente ya es consciente de que sí se puede liberar de los controles políticos de las naciones y que su arma primordial para lograrlo es la comunicación.

"Es posible resistir y la gente lo hace. Mi gran esperanza es que la gente, que ahora que tiene la habilidad de comunicarse a través de las barreras internacionales, lo haga eventualmente a través de las barreras religiosas e ideológicas. Ese cruce de comunicación es en sí un acto de resistencia, porque para los gobernantes es fundamental mantenernos en control, incomunicados", resaltó.

El músico comentó que este intercambio comunicativo, que para él representa una forma de romper las barreras, incluso lo usará en el show, pues le ha pedido a la gente que haya tenido seres queridos que murieron en guerra que le manden fotografías, para incluirlas en una sección del espectáculo, a manera de homenaje.

Venden hoy más boletos

Un puñado más de seguidores de Roger Waters podrán comprar hoy algunos boletos extra, pues OCESA, la empresa que lo trae a México liberará localidades de la mayoría de las secciones del Palacio de los Deportes.

"Normalmente se bloquean algunos lugares que no van a tener buena visibilidad. Pero ya se hizo el montaje y resulta que los lugares no son malos, que tienen buena visibilidad, así que los liberamos", dijo un vocero de la empresa promotora.

Aunque sin precisar la cantidad de boletos que venderán para cada una de las tres fechas en el Palacio de los Deportes, señaló que serán de las localidades A y B, de 3 mil 757 y 3 mil 85 pesos, respectivamente.

También liberarán algunos de las secciones D y E (879 y 429 pesos, respectivamente), pero advirtió al público que éstas tendrán visibilidad parcial del escenario.

Las cifras de la construcción

Roger Waters, miembro fundador de Pink Floyd se presentará esta noche con su The Wall Tour, en el Palacio de los Deportes.

En la primera mitad del show aparecerá la banda tocando mientras una pared se construye, y en la segunda mitad, el show multimedia se desarrollará justo detrás de ese muro, con pirotecnia, sonido cuadrafónico, proyecciones de video y muñecos inflables gigantes, entre otros efectos especiales.

Ancho de la pared: 73 metros

Alto de la pared: 10.83 metros

Profundidad de la pared: 45. 72 centímetros

Número total de ladrillos en la pared: 424

Ladrillos colocados en el show: 242

Ladrillos que se usarán en el tour en EU y Europa: 3 mil

Tiempo de construcción de la pared: 45 minutos

Número de bocinas: 172 en total, incluyendo submarinos, rodea y monitores.

Número de luces móviles: 82

Número de proyectores: 23

Camiones para transportar el montaje: 21

Carpinteros:16

Técnicos en iluminación: 5

De video: 5

De sonido: 6

De pirotecnia: 3

Ziggy Rock on Stone Wall TV+ ...

2010-12-10T16:51:00.049-06:00

Ziggy Rock on
Stone Wall TV+

Por: Claudia Coutiño Pèrez

Ziggy Rock on Stone Wall TV+ es el título basado en un juego de palabras que enmarca y engloba la obra completa de la nueva exposición en Expo Rock Gallery del fotógrafo mexicano Fernando Aceves y la aportación de trabajos de algunos artistas invitados, sobresaliendo la escena latina y anglosajona del rock en medio de contrastes y atmósferas captadas a través de la lente del artista visual a lo largo de dos décadas.

Crear, es una manera de construir y dejar huella…

Tras tomar la decisión de dedicarse a la documentación fotográfica a principios de los noventa, U2 sería de los primeros grupos de rock-pop internacionales que Fernando fotografiaría durante sus presentaciones en la Ciudad de México de forma análoga. Las giras “ZOO TV Tour” y “PopMart Tour” fueron captadas a través del sonido de cuatro hombres que llegaron a provocar una sobrecarga sensorial en el público mexicano, quedando el testimonial de una serie de fotografías en las que la luz “obturada” se encargó de plasmar la pasión, el dolor y sentimiento humano que emanaron de la oscuridad, unidos por un concepto.

El relato

Es sabido que la fotografía se expande en un tiempo interno de relato y se vuelve un espacio habilitado para contar algo que ha transcurrido en el tiempo. Paul McCartney, Kirk Hammett y James Hetfield son sólo algunos de los nombres que durante 1993 fueron captados por Fernando mediante una serie de fotografías que nos relatan parte de la transformación histórico-musical en México ante la apertura de los conciertos masivos con grandes personalidades del mundo del rock, convirtiéndose en parte importante y fundamental de la historia escrita sobre la fotografía documentada en México. Es así como la lente de Aceves nos acerca por primera vez a un ex Beatle en la “intimidad” de su gira “The New World Tour”, y al primer disco grabado en vivo por Metallica, “Live Shit”.

1994 significó otro año importante para Fernando al cubrir una de las giras más anheladas por el público mexicano, “The Division Bell”, con el grupo Pink Floyd. Se trata de un excelente trabajo que resalta la iluminación y nos refleja el entendimiento entre el arte visual y la música que emana cúmulos de sensaciones y sentimientos a través de los contrastes logrando una interesante aportación visual, social y cultural para la década de los noventa en México como escenario de historia, discurso y relato.

Invitado en abril de 1995 por Saúl Hernández, músico y vocalista de “Caifanes”, Fernando experimentaría una faceta más en la forma de tomar fotografías al viajar por carretera y documentar la gira de un grupo de rock mexicano por países como Colombia, Estados Unidos y México. De esta manera Aceves tiene la oportunidad de conocer las costumbres de un grupo fuera y dentro de los escenarios, plasmando una serie de imágenes que hoy en día pertenecen, por su valor histórico y trascendental, al infinito tiempo del instante sobre “El Nervio del Volcán”.

La fotografía como documento histórico de nuestros tiempos

Casi a finales del siglo pasado la fotografía dejó de ser una técnica y comenzó a ser apreciada como documento histórico de gran valor cultural en todo lo artístico y aceptada socialmente como parte de muchas investigaciones al constituirse como fuente visual crucial. De esta manera Fernando Aceves ha logrado documentar a lo largo de veinte años, en fase análoga y digital, distintos grupos y solistas de la escena del rock cerrando ciclos importantes en su carrera como fotógrafo profesional de música. Entre los citados podremos encontrar en esta exposición a Brian Johnson (vocalista de la agrupación australiana AC/DC), fotografiado por el artista visual en 1995 durante la gira “Ball Breaker Tour” en la Ciudad de México y en 2009 con la gira que marcará su retiro de los escenarios en mayo próximo, “Black Ice World Tour”. Del mismo grupo, aunque con un futuro un tanto incierto para sus seguidores, se puede apreciar al australiano y fundador de AC/DC, Angus Young, previo a una conferencia de prensa en 1995 y en su gira actual.

SCORPIONS es otro de los grupos de hard-rock incluidos en el amplio curriculum que Fernando Aceves posee, con una serie de fotografías que forman parte del disco en vivo “Live Bites” editado en 1995, siendo la presentación de su gira actual, “Get Your Sting and Blackout Tour”, la conclusión de un amplio trabajo fotográfico de extrema calidad que nos acerca, entre otros, al guitarrista y compositor Rudolf Schenker como pocas veces.

Sin duda, una de las mejores recopilaciones musicales hechas fotografía dentro de la escena latina del rock, es la realizada por Fernando al músico y compositor argentino Gustavo Cerati durante 1999 en su gira “Bocanada”, captando una serie de encuadres e iluminación que nos transportan intempestivamente a los sonidos sublimes de aquellos momentos empapados de texturas visuales y plagados de citas misteriosas.

Alejandro Lora es otro de los artistas que Fernando Aceves nos presenta en un recorrido musical a través de la lente durante 30 años reunidos en una sola noche de 1998.

El pincel transformado en lente

Fotografía significa pintar con luz, y toma un sentido más real cuando en estas se logra dar vida, una de las varias características que definen al mexicano Fernando Aceves como fotógrafo logrando un plus en su trabajo que pocas veces se puede apreciar en la música. Así mismo lo han llegado a definir grandes personalidades, tal es el caso del músico y compositor británico David Bowie quien en 1997 fue fotografiado por Fernando en distintos lugares de la Ciudad de México y durante su concierto ofrecido con la gira “Earthlink”. Cabe destacar aquella fotografía que le ha dado la vuelta al mundo en donde “el camaleón” hace gala de su apodo y aparece camuflado entre los rostros pintados en el impresionante mural del respetado artista mexicano Diego Rivera, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Una fotografía casi pictórica en la que Fernando Aceves integra a Bowie en la composición del mural como un personaje más.

Instantes de la imagen

Cada vez que se registra una imagen se congela un instante, y en 1995 sucedió tal cual durante la filmación del video “I Go Wild” de los Rolling Stones en el Ex Templo de San Lázaro, Barrio de la Candelaria, en la Ciudad de México. Gracias a un problema surgido con el fotógrafo que traía el grupo en ese entonces, Fernando Aceves tuvo la oportunidad de capturar a los Rolling Stones y documentar un hecho que pocos saben y conocen con exactitud, registrando instantes de una secuencia fotográfica que nos revela momentos realmente interesantes, los cuales, estarán exhibiéndose por un tiempo en Expo Rock Gallery junto con otras imágenes que abarcan la gira “Bridges to Babylon” de 1998.

Cabe destacar que dentro de la exposición Ziggy Rock on Stone Wall TV+, también se tendrá la oportunidad de apreciar a otros grupos y solistas como: Radiohead con su gira “In Rainbows”; Charly García en su gira “El Aguante”; Fito Páez en su primera presentación dentro del Auditorio Nacional de la Ciudad de México en noviembre de 2010; Roger Waters en Guadalajara presentando la gira “The Dark Side Of The Moon”; El Gallo Gass, un personaje que difícilmente se llega a ver dentro de una exposición fotográfica; Enrique Bunbury durante el tour “Round América 2002”; Jon Bon Jovi y Kiss con su última gira “Hottest Show On Earth”.

Jeff Beck en el Teatro Metropolitan, Diciembre 06, 2010

2010-12-10T14:09:00.005-06:00

Foto: Jeff Beck, Teatro Metropolitan, Ciudad de México 2010 (C) Fernando Aceves

Por: Francisco Javier Ramìrez Reyes...

Mágica noche la que vivimos el pasado lunes en el Teatro Metropolitan, llena de virtuosismo y una gran calidad musical la que nos ofreció Jeff Beck que sin duda alguna sigue viva. En punto de las 21:04 de la noche empezaba lo que para mi gusto, ha sido uno de los mejores conciertos que he visto en el año y en mi vida también.

"Plan B" fue el primer tema que interpretó, y con el que inmediatamente pudo dejar en claro el por qué se le considera una de las leyendas de la guitarra.

Los que tuvimos la fortuna de asistir nos entregamos completamente, generando un cálido ambiente pese al frío que impera en la Ciudad de México; el buen Nestor desempolvó sus "air drum sticks", empezando a simular que èl también es una estrella de rock. En la fila de adelante llegò acompañado de su familia Carlos Alvarado del grupo extinto de rock progresivo "Chac Mool" dispuestos todos a disfrutar una gran noche llena de jazz, rock y blues.

El ex guitarrista de "The Yardbirds", grupo del que salieron tres de los mejores de la historia (Jeff Beck, Eric Clapton y Jimmy Page), continuó con su repertorio: "Stratus", "Led Boots" y "Hammerhead", ésta última de su más reciente disco titulado: "Emotion and Commotion", por cierto, muy recomendable, con un sonido que parece prestar más atención a la limpieza del mismo,

Jeff Beck continuó cautivándonos con más temas como "People Get Ready" en una maravillosa versión instrumental dejando que su banda también se luciera con Jason Rebello en los teclados; Narada Michael Walden en la batería y Rhonda Smith en el bajo acompañando a Beck y su guitarra, aunque para mi gusto, hubiera preferido la alineación del video "Live At Ronnie Scotts" con una tal... Wilkenfeld, como dice Rafa y el master Colaiuta.

Vestido con un saco sin mangas y un brazalete plateado, Jeff Beck continuó con "Rollin' & Tumblin" (un cover de Muddy Waters), "Over the Rainbow" y "Dirty Mind", con la que se anunciaba el final de la gran velada y cuando nos tenia cautivados a todos, se dejò sonar la majestuosa "A day in the Life" de The Beatles.

Sòlo hubo un encoré a pesar de los gritos en el Teatro Metropolitan, Jeff tocó magistralmente "How High the Moon", un cover más, en esta ocasión del desaparecido guitarrista Les Paul.

Y no podía faltarle la cereza al pastel, por último, Jeff Beck cerró el mágico concierto con "Nessun Dorma".

Beck finalmente pronunció algunas palabras en agradecimiento -- Gracias, México, esperamos volver muy pronto--.

Todos los presentes quedamos rendidos ante él mediante sus ovaciones; el maestro de la guitarra se las ha ganado gracias al virtuosismo que aún corre por sus venas y que lo convierte en una leyenda viviente, así terminò un sueño màs hecho realidad de este 2010-

Sòlo me quedò a deber "Nadia" que es de mís favoritas, ahora solo falta cerrar el ciclo con "The Wall" el 18, 19 y 21 de diciembre en el Foro Sol... allá nos vemos!!!

Cierra U2 gira europea en Roma ...

2010-10-12T14:21:00.011-05:00

*Por Gustavo de la Rosa directo desde Italia...

Bono impresionó a los fanáticos e italianos con la presentación de su gira
360º Tour

Gustavo de la Rosa

Roma, Italia (12 octubre 2010).- Intenso, emotivo, vibrante y lleno de sorpresas fue el concierto de U2 que se llevó a cabo en la capital italiana el viernes pasado, en donde terminó la etapa europea de su gira 360º Tour, misma que llegará a México el próximo año.

El Estadio Olímpico, que tiene capacidad para 80 mil personas, se llenó para presenciar la actuación de la banda irlandesa con todo y su escenario llamado la "Garra" o "Nave Espacial", en la que se dieron cita seguidores de varias regiones del mundo.

Con localidades completamente agotadas, los asistentes calentaron el ambiente previo al concierto con cánticos, agitando sus banderas y organizando la ola en las tribunas, además de mensajes para el cantante Bono, que iban desde "quiero bailar contigo" hasta "nos vemos en México".

La banda neoyorkina Interpol fue la encargada de abrir el concierto, logrando una buena aceptación entre el público, que respondió a las canciones de Paul Banks (vocalista) y su grupo, dejando todo listo para el cuarteto de Dublín.Poco después de las 21:00 horas, "La Garra" prendió sus luces, la circular pantalla proyectó la imagen de Bono, Adam Clayton, Larry Mullen Junior y el guitarrista The Edge, que estaban listos para subir al escenario.

El concierto inició con un adelanto de lo que será su próximo disco, "The Return of The Stingray Guitar", una canción sin letra, pero con una base rítmica en la batería y el bajo, y con un poderío notorio en la guitarra.

Le siguieron temas clásicos que van desde su más reciente producción hasta su primer disco. Canciones como "Beautiful Day", "I Will Follow", "Get on Your Boots", "Magnificent" y "Misterious Ways" hicieron que el estadio temblara de la emoción.

Luego siguieron "Bad", que provocó la euforia y hasta el llanto de algunos espectadores, después interpretaron "Mercy", un tema que quedó fuera de las sesiones de grabación de su pasada producción How to Desmantle an Atomic Bomb, y que no ha sido grabado hasta el momento en ningún disco, pero que se convirtió en un tema de culto para los seguidores.

Después, Bono invitó a una chica a bailar con él al escenario, lo que provocó la locura en el estadio.

El nivel de intensidad no descendió y los irlandeses elevaron la adrenalina de los asistentes con "Vértigo", "Sunday Bloody Sunday" y "Where The Streets Have no Name", entre otras.

Para la última parte del concierto retomaron "Hold me, Thrill me, Kiss me, Kill me", el electrizante tema que fuera parte de la película Batman Forever, al que siguieron con "With or Without You" y finalizaron con "Moment of Surrender", del disco No Line on The Horizon.

El bajista Adam Clayton fue el encargado de cerrar el show con la frase "Grazie, Roma".

Se lleva Bono sorpresa

Esta vez el público italiano fue quien dio una sorpresa a la banda irlandesa U2, en el concierto del cierre de la gira europea.

Cuando Bono interpretaba "I Still Havent Found What I'm Looking For", las gradas se convirtieron en un gran cartel en donde se leía la palabra "One", con los colores verde, blanco y rojo de la bandera de Italia, generando el asombro de los miembro de Bono y compañía.

Ante ello, el vocalista del grupo respondió: "Gracias, Roma, nunca voy a olvidar esto".

EXPOROCK GALLERY ...

2010-08-20T21:50:00.013-05:00

David Bowie

frente al mural "Hombre en una encrucijada",
de Diego Rivera, en el Palacio de Bellas Artes.
Fotografìa de Fernando Aceves - 1997

La música siempre ha sido parte de mi vida. Es uno de los hilos conductores que me transporta en segundos a un estado de inconsciencia subversiva. Con ella puedo viajar al pasado y disfrutar del presente en un “click”.

Hace algunos días tuve la oportunidad de revivir viejas andanzas de juventud junto a un par de excelentes amigos (J. Carlos y Gilberto), mientras nos dirigíamos a conocer EXPOROCKGALLERY en la colonia Condesa.

Todo comenzó días antes mientras charlábamos sobre la venta de discos “catálogo” en un lugar cercano a la galería que, hasta ese momento, era desconocida por todos. Les propuse la visita a este nuevo espacio en la Ciudad de México donde se respira puro, total y absoluto rock, blues, hard rock, metal, R&B, jazz, entre otros; todo capturado, desde hace 20 años, a través de la lente del fotógrafo mexicano Fernando Aceves, y de Baron Wolman, fotógrafo estadounidense que destaca a partir de la década de los años 60 con sus colaboraciones para la revista Rolling Stone.

Circulando entre las calles de la Condesa comenzaron a surgir recuerdos como mi paso por la universidad. Sin embargo fue entrando a la calle de Atlixco que de inmediato brotó una sensación que me causó alegría mientras recordaba a grandes amigos de la “prepa” con los que conviví muchos años, justo en la esquina de Atlixco y Michoacán. Solíamos reunirnos en la casa de Taissir los fines de semana para escuchar rock, blues, jazz, progresivo, punk, metal, etcétera, y entre los discos de todos, vaya que se lograba una fuerte retroalimentación que unía a varias generaciones, conceptos y pensamientos.

Quién me iba a decir que 22 años después nacería a unos metros, justo en el número 100, un lugar llamado EXPOROCKGALLERY, donde iba a encontrar prácticamente todo el soundtrack de mi vida hecho en imágenes. Un lugar en el que la mente experimenta un delirio musical impresionante, que nos hace “descelofanear” una buena cantidad de vinilos como en los viejos tiempos.

Por su parte, Fernando Aceves nos presenta fotografías del cantante estadounidense William Bruce Bailey —mejor conocido como Axl Rose— enfundado en falda escocesa y haciendo referencia a la nacionalidad de su padre. Sin duda una de las mejores fotografías que captura la etapa más productiva de Guns `N’ Roses a principios de los 90.

También nos topamos con el grupo Pink Floyd en los primeros dos conciertos que dieron en México, en el Foro Sol, en el mes de abril de 1994. Conciertos que causaron demasiada euforia entre el público asistente por ver en vivo a uno de los grupos más emblemáticos del rock progresivo en su gira “Division Bell”. Aunque en la alineación ya no estaba Roger Waters, el espectáculo que pudimos presenciar rebasó todo lo visto hasta ese momento en México. Aunque no era mucho, ya comenzábamos a respirar otros aires musicales de gran peso en la historia del rock… ---aunque ese, día “los cerdos” no hayan levantado el vuelo---.

Si de figuras pesadas hablamos, The Rolling Stones están más que presentes en la galería a través de fotografías que reúnen sesiones de estudio, conciertos y la filmación de uno de sus videos (I Go Wild - 1995), en el Ex Convento de San Lázaro, en la Candelaria de los Patos. A través de estas, podemos ver un trasfondo y texturas que con la técnica del video sería imposible.

Cerca de los Rolling se encuentra el vampiro mayor: Peter Murphy. Hace presencia en una foto que lo hace verse raro y, por lo mismo, irreconocible para mí con todo y la cédula de datos. Nada parecido al “vampiro” que me ha tocado ver tres veces en concierto.

Si de blues se trata, Eric Clapton hace acto de presencia en dos etapas de su vida a través de distintas fotografías. Aunque debo reconocer que una de ellas me parece la más significativa pues nos lleva de regreso al único concierto que ha dado en nuestro país “Slow Hand”, en el Foro Sol, el último de su gira “Reptile Tour” en octubre de 2001. Sin duda, uno de los mejores conciertos que me ha tocado presenciar en México, y que me resulta inolvidable por haber cerrado con el tema “Somewhere over the rainbow” junto al espectáculo de luces con el que el público acompañó al guitarrista. Las caras de sorpresa que mostraron Clapton y Nathan East sólo las he vuelto a ver en el segundo concierto de Paul McCartney que diera recientemente en el Foro Sol. Por cierto, debo decir que aquella despejada y fría noche del 2001, Eric Clapton fue precedido por la intervención del grupo “Toto” que venía comandado por Steve Lukather; maravilloso.

David Bowie es otro de los presentes en la galería a través de una fotografía, que no tiene precedentes, lograda por Fernando Aceves en 1997. Se trata de Bowie contemplando y analizando el mural de Diego Rivera “Hombre en una encrucijada", en el Palacio de Bellas Artes.

En ella se logra una ilusión óptica impresionante. A simple vista pareciera que Bowie forma parte de aquellas pinturas haciendo honor al sobrenombre de “El Camaleón”. Hasta donde se sabe, nadie más ha logrado una foto del cantante con esas características, lo cual, nos dice que la vida y la fotografía están hechas de instantes que Fernando ha sabido capturar a través de la lente. Tanto así, que el propio David Bowie le ha dado su reconocimiento a través de una carta de dos cuartillas escrita de su puño y letra, sellada con su firma.

Por su parte, la obra de Baron Wolman nos presenta una serie de fotografías que me llaman mucho la atención. En ellas logra atrapar miradas que son difíciles de encontrar en los artistas. Como en el caso de Janis Joplin que nos muestra una luz y alegría muy especial en sus ojos. Jamás la había visto así y no se trata de una buena iluminación (que la hay y se aprecia perfectamente); realmente es muy expresiva esa imagen.

También encontramos a Mick Jager en una toma que, aunque no es de mi agrado por su expresión, vuelve a sus ojos un imán para el espectador. Estoy segura que a más de uno los hará voltear porque todos sabemos que Mick tiene los ojos claros, pero esa fotografía en blanco y negro vaya que los hace resaltar.

Es raro encontrarse con un Pink Floyd en sus inicios, cuando el rock comenzaba a ser un espectáculo teatral a gran escala y un terremoto musical que sacudiría todos los espectáculos posteriores. En EXPOROCKGALLERY Baron nos presenta una imagen del emblemático grupo justo en el momento de su despegue en las listas musicales bajo el sello EMI, y con su primer gran éxito “Arnold Lane”.

Y si de juventud se trata, BB King no podía dejar de estar presente a través de la historia y un reflejo de aquellos años en los que se daba a conocer como el “Rey del Blues”, a principios de los 60.

En fin. Podría pasarme horas hablando sobre U2, Rod Stewart, Bono, Ozzy Osbourne, The Police, Sting, Kiss y otros tantos que podrán admirar en ese valioso espacio. Sin embargo creo necesario, y vale mucho la pena, que cada uno viva su propia experiencia y reviva el sonido y el olor que se producía al extraer un disco de su funda elaborada en papel “bond”, mate o brilloso, y admirar aquellas obras de arte hechas portadas sobre cartulina “caple”, al tener de frente todas esas fotografías.

Sin duda un lugar como EXPOROCKGALLERY era necesario en México. Sólo en el extranjero se podían apreciar exposiciones de fotografía musical y/o rock, aunque antiguamente tiendas de discos en México como: “Zorba”, “Súper Sound”, “Rock Shop”, “Hits 70”, “AB Discos”, “Sonido Discoteque”, “Disco Recuerdo”, “Discolandia”, “El Gran Disco”, “Tower Records” (inicios), entre otras, eran las que nos ofrecían escasos materiales fotográficos propiedad de los mismos dueños. Por lo que antes ni soñar con poder tener alguna de aquellas fotografías colgadas en la pared de nuestro cuarto.

Fue hasta el año 2000 cuando por primera vez la fotografía enfocada a la música logra un verdadero reconocimiento en México a través de Fernando Aceves y su exposición: “The Rolling Stones” en el Museo de Arte Moderno. La exposición estuvo conformada por 32 exposiciones a color y 11 en blanco y negro, tomadas entre los años 1994 y 1998, durante las presentaciones del grupo realizadas en Canadá, Estados Unidos y México.

The Fisher King (1)

2010-08-02T13:48:00.007-05:00

Por Jorge Garcìa Negrete...

Notas
sobre la radio
en México...

Sólo quien se ha parado frente a un micrófono ha sentido el shot de adrenalina de la radio. Y, como toda emoción, el cuerpo pide más y más; y sin darse cuenta, uno puede volverse adicto.

A lo largo de mi vida, he conocido a un puñado de locutores de radio que han escrito la historia de este medio. Personajes que han logrado toda la fama, que han logrado todo y que, de igual forma, terminan perdiéndolo todo: familia, amigos y brújula.

Irremediablemente, me viene la imagen de Jack Lucas hablando a sus fans a través del micrófono, convertido en un pequeño Dios, sin mostrar el mínimo respeto por los sentimientos de sus radioescuchas.

The Fisher King

No tienen idea, de qué manera me impresionó la imagen de este pequeño Dios venido a menos, con su gabardina llena de vómito, tirado en la calle, viviendo la realidad de los sin-hogar de New York. Me atrevería a asegurar que Terry Gilliam, en The Fisher King, logró atrapar en esa imagen el ascenso y decadencia que ha marcado a la mayoría de los conductores de radio en el mundo.

También me viene a la memoria, el libro “En Búsqueda de la Excelencia en Radio”. Un bestseller de los 80, que hizo una investigación para encontrar, entre otras cosas, la fórmula del éxito de las estaciones más influyentes de los Estados Unidos. En el apartado de los locutores, la constante entre las voces más destacadas era una vida familiar con una infancia marcada por la falta de afecto. Esta “carencia” se volvía su principal virtud, ya que, a través del micrófono, eran capaces de generar esta necesidad de afecto, provocando la empatía de los radioescuchas. La audiencia adopta al locutor que siente como indefenso, falto de amor, urgido de un abrazo. A pesar de que este locutor sea un cretino que lo insulta o lo arremete. Tema terapéutico, sin duda, pero una constante al fin, de acuerdo a la investigación de aquel libro.

Si ustedes están de acuerdo, me permitiré compartir con ustedes algunos de los personajes tipo The Fisher King que he podido conocer.

Batas, Pijamas y Pantuflas

Mi primer encuentro radiofónico cara a cara fue con Sergio Rod y Bolívar Domínguez, los conductores de un talk show pionero de los 70 y 80: “Batas, Pijamas y Pantuflas” (B, P y P).

Era un programa matutino que se transmitía, de lunes a viernes, de 7:00 a 9:00 am, a través de radio 590 La Pantera, una emisora del Núcleo Radio Mil (NRM). Ellos hacían algo impensable: hablar más allá de dar la hora, la frecuencia y los nombre de la canción e intérprete. Iniciaron una tendencia que marcaría los 80 y 90 en nuestro país: “la radio es lo que sucede entre canciones y comerciales”. Era impresionante ver la respuesta de la gente cuando les dedicaban “Las Mañanitas” en diferentes tonadas, ajustando la letra a la melodía de canciones de diversos géneros. Todos disfrutaban los saludos a “Los Viejos Gruñones, Las Muchachas Bonitas y Las Viejas Entubadas”. Hablaban de todo y de nada. Inventaron, incluso, un planeta llamado Kryptón (plagio bajo licencia creativa), escenario en el que se escudaban para hacer crítica social y política de un país donde no existía la libertad de información.

Además de su trabajo en Batas, Sergio Rod también era jefe de producción del NRM y era el conductor de Diálogos al Desnudo, un programa de entrevistas que ganó un Premio Nacional de Periodismo.

Trabajé al lado de Sergio Rod y me impresionaba su personalidad seductora y empática: nadie podía resistirse cuando abría la boca: era como un hechizo que generaba simpatías sin cuestionamientos. Pero, también era un hombre muy solo, desconfiado que, poco a poco, fue perdiendo la brújula.

Recuerdo una ocasiòn en que los directivos de NRM le pidieron una investigaciòn de mercado. Sergio se atreviò a inventar los resultados sin aplicar ninguna herramienta de investigación. Cuando se descubrió este hecho, se ausentó del trabajo por unos días porque fue “arrestado” por petición propia. Sergio tenía un cargo honorario en la policía de la época de Madrazo. El “Negro” daba estas distinciones a personalidades de los medios para ganarse su simpatía y generar una buena imagen ante sus tácticas de seguridad poco ortodoxas. Era muy divertido verlo llegar vestido con el uniforme de comandante. Cada vez que necesitaba ausentarse, le pedía a sus “mandos policiacos” que le inventaran un arresto para quedar incomunicado durante el tiempo necesario en lo que las aguas se calmaban. Por supuesto, que el tal “arresto” era como pasar unas vacaciones en hotel de lujo.

En otra ocasión, Camerino, el responsable de la limpieza de las instalaciones del NRM fue acusado por el robo de un reloj del Director General, Carlos Flores Álvarez. Cuando el despido estaba por consumarse, el pobre conserje confesó a su pesar haber visto a Sergio Rod tomar el reloj del escritorio del Director. Cuando Sergio Rod fue llamado a cuentas, simplemente respondió que lo había visto y que, al verlo descompuesto, decidió llevarlo a un relojero para que lo reparara y así darle una sorpresa al Sr. Flores.

Su encanto y su simpatía hacían imposible no creer las muchas historias que inventaba donde la línea divisoria de la realidad y la fantasía se diluía.

Yo entiendo que la realidad es, en gran parte, percepción. Pero, nunca me ha dejado de sorprender cómo existen personajes que traslapan realidad y ficción sin ningún pudor, llegando, incluso, a estar convencidos de su construcción imaginaria.

Había pasado casi un año desde que conocí a Sergio Rod y yo seguía con la ilusión de ser contratado por el NRM. Él se encargaba de mantener esa ilusión, anunciando de vez en cuando que mi puesto ya estaba autorizado. Cuando le preguntaba cómo iba el proceso, se mostraba ofendido por la burocracia de la empresa, sin dar crédito al hecho de que aún no me hubieran pagado. Tomaba el teléfono y airadamente le hablaba al Sr. Martínez, para reclamarle la falta de cumplimiento con respecto a mi contrato. Manoteaba, elevaba el tono de voz, amenazaba, negociaba, transigía y siempre colgaba el teléfono con la promesa de que de inmediato se tomarían cartas en el asunto. Al oír eso, uno no podía menos que sentirse agradecido por su interés y el empeño que ponía en resolver mi situación laboral. Con el tiempo, aprendí que del otro lado de la línea nunca hubo nadie. Eran unos monólogos de ardua negociación sin ningún destinatario. El tal Sr. Martínez ni siquiera sabía de mi existencia. Era Sergio hablando con nadie, acompañado por el monótono sonido de la línea telefónica. No fui el primero, ni el único, pero si era parte del amplio grupo que conocía sus trucos y, sin embargo, lo seguía teniendo en alta estima.

También hubo momentos más cercanos a la tragedia que a la comedia. Y para darle profundidad a este blog, citemos a los clásicos, en voz de Karl Marx, en el 18 Brumario:

Hegel dice en alguna parte que todos los grandes hechos y personajes de la historia universal aparecen, como si dijéramos, dos veces. Pero se olvidó de agregar: una vez como tragedia y la otra como farsa. Karl Marx.

Núcleo Radio Mil

En etapa de tragedia, Sergio tenía un asunto con el tamaño de su nariz que lo llevó a la cirugía plástica. Tras la operación se encerró en una depresión, en la habitación de su departamento; y se negó a comer o a recibir a nadie. Su pareja me llamó y me pidió que lo fuera a visitar. Así lo hice y, para mi sorpresa, Sergio no sólo abrió la puerta sino que aceptó comer algo durante mi visita. Su novia entró y se quedó tratando de interactuar con él, pero Sergio le pidió que nos dejara solos. Más que considerarlo un honor, me pareció extraña su actitud ante quien debiera ser la persona más cercana a él. Me hizo pensar en el nivel de soledad y distanciamiento que sufría una de las voces con más seguidores de la radio de los 80 en la ciudad de México.

En etapa de comedia, Sergio dejó el NRM y se fue a Radio Fórmula, convenciendo a Bolívar Domínguez de hacer lo mismo. La siguiente anécdota me la refirió el mismo Bolívar, quien ya estaba cansado de las mentiras y de los fraudes de Sergio. Le advirtió que si volvía a hacer una más de sus trampas, renunciaría al proyecto-empresa de “B,PyP”.

En una ocasión organizaron un viaje a Acapulco con un grupo de radioescuchas. Bolívar era de un carácter más introvertido que el de su compañero. Le pidió a Sergio que no lo fuera a dejar embarcado con el grupo de turistas en el puerto guerrerense.

Como si fuera producto de un guión ya larga y repetidamente ensayado, Sergio se inventó una emergencia en la ciudad de México y se regresó a medio viaje, dejando a su socio a la deriva, a cargo del grupo de turistas.

En cuanto regresó al DF, Bolívar renunció a Radio Fórmula y regresó al NRM.

Siempre he pensado que esa decisión, salvó la vida a Bolívar, pues en el temblor del 85, él ya no estaba en Radio Fórmula. Quien si estaba era Sergio Rod, que siguió transmitiendo durante el movimiento sísmico y cayó ese 19 de septiembre, entre los escombros de aquella estación de radio, perdiendo la vida.

Sergio siempre dijo que le gustaría morir frente al micrófono y lo logró.

Con su muerte, terminó uno de los proyectos más vitales e innovadores de la radio en México.

Falleció en un momento de alta popularidad en su carrera como conductor de radio. Pero, lo hizo sin sus amigos más cercanos, sin sus familiares más cercanos.

La frase típica de Sergio aún retumba en mis oídos:

"Gracias a Dios, en este país aún habemos clases sociales. Aunque todos somos del mismo barro, no es lo mismo catrin que charro".

La imagen de Jack Lucas me borra el recuerdo de Sergio Rod, a quien quise y respeté profundamente, a pesar de sus múltiple mentiras, mitos y engaños.

Twitter: @jogarnegrete
Facebook: jorgegarcíanegrete

Y el Gabo se encuentra con los Beatles ...

2010-08-02T13:32:00.002-05:00

Gabriel García Marquez - 16 de Diciembre de 1980

Posteado por Beto Cronopio...

Notas de Prensa 1980 - 1984, Mondadori, España

Así es: la única nostalgia común que uno tiene con sus hijos son las canciones de los Beatles. Cada quien por motivos distintos, desde luego, y con un dolor distinto, como ocurre siempre con la poesía.

Yo no olvidare aquel día memorable de 1963, en México, cuando oí por primera vez de un modo consciente una canción de los Beatles. A partir de entonces descubrí que el universo estaba contaminado por ellos. En nuestra casa de San Angel, donde apenas si teníamos donde sentarnos, había solo dos discos: una selección de preludios de Debussy y el primer disco de los Beatles.

Por toda la ciudad, a toda hora, se escuchaba un grito de muchedumbres; “Help, I need somebody". Alguien volvió a plantear por esa época el viejo tema de que los músicos mejores son los de la segunda letra del catálogo: Bach, Beethoven, Brahms y Bartok. Alguien volvió a decir la misma tontería de siempre: que se incluyera a Bosart. Alvaro Mutis, que como todo gran erudito de la música tiene una debilidad irremediable por los ladrillos sinfónicos, insistía en incluir a Bruckner. Otro trataba de repetir otra vez la batalla a favor de Berlioz, que yo libraba en contra porque no podía superar la superstición de que es oiseau de malheur, es decir, pájaro de mal agüero. En cambio, me empeñe, desde entonces, en incluir a los Beatles. Emilio García Riera, que estaba de acuerdo conmigo y que es un critico e historiador de cine con una lucidez un poco sobrenatural, sobre todo después del segundo trago, me dijo por esos días: “Oigo a los Beatles con un cierto miedo, porque siento que me voy a acordar de ellos por todo el resto de mi vida". Es el único caso que conozco de alguien con bastante clarividencia para darse cuenta de que estaba viviendo el nacimiento de sus nostalgias.

Uno entraba entonces en el estudio de Carlos Fuentes, y lo encontraba escribiendo a maquina con un solo dedo de una sola mano, como lo ha hecho siempre, en medio de una densa nube de humo y aislado de los horrores del universo con la música de los Beatles a todo volumen.

(....)

Esta tarde, pensando todo esto frente a una ventana lúgubre donde cae la nieve, con mas de cincuenta años encima y todavía sin saber muy bien quien soy ni que carajos hago aquí, tengo la impresión de que el mundo fue igual desde mi nacimiento hasta que los Beatles empezaron a cantar. Todo cambió entonces. Los hombres se dejaron crecer el cabello y la barba, las mujeres aprendieron a desnudarse con naturalidad, cambió el modo de vestir y de amar, y se inicio la liberación del sexo y otras drogas para soñar. Fueron los años fragorosos de la guerra de Vietnam y la rebelión universitaria. Pero, sobre todo, fue el duro aprendizaje de una relación distinta entre los padres e hijos, el principio de un nuevo dialogo entre ellos que había parecido imposible durante siglos.

La Fonoteca Nacional rescata el acervo musical de la desaparecida XELA; reúne más de 80 mil obras en 16 mil 446 discos...

2010-08-02T13:23:00.002-05:00

Inicio. La portada del álbum Fausto, el primer disco que compró la XELA. Foto: Fonoteca nacional

Por Juan Carlos Talavera
LA CRÒNICA DE HOY
Culturas

La Fonoteca Nacional rescató la colección musical de la radiodifusora XELA, un acervo único con más de 80 mil obras de música sinfónica, de cámara y un amplio repertorio vocal, contenidas en 16 mil 446 discos originales de 33 y 45 revoluciones, entre las que se descubrieron interpretaciones únicas y consideradas invaluables, informó a Crónica Álvaro Hegewisch, director de dicha institución.

Considerada una colección exclusiva por su alto valor de curación, “seguramente enriquecerá el patrimonio histórico y cultural de México”, aseguró Hegewisch, quien adelantó que el acervo está integrado por numerosas ediciones no comerciales de grabaciones de conciertos transmitidos en vivo por Radio Nederland y otras poco conocidas de importantes figuras como Luis Herrera de la Fuente, Eduardo Mata y Candelario Huízar.

“El valor de esta colección es incalculable y permitirá recuperar parte de la memoria musical del siglo XX en el país y la posibilidad de que ésta sea accesible a los melómanos especializados y al público joven”, aseguró.

18 GRADOS. La historia de la XELA comenzó con un grupo de amigos que se juntaron a escuchar música clásica, luego decidieron coleccionar LP’s y finalmente decidieron adquirir una frecuencia para difundir su material, así el 5 de julio de 1940 iniciaron las transmisiones de la XELA bajo un lema: “Buena música desde la ciudad de México”.

La emisora, considerada pionera en el género, transmitió ininterrumpidamente durante 62 años hasta su desaparición el 1 de enero de 2002.

Su cierre desató polémica y numerosas críticas ante los argumentos ofrecidos que desembocaron en su comercialización, para dar paso a una estación diametralmente distinta: Estadio W 830 y más tarde Radio Capital, como se conserva hasta ahora.

Entre los programas recordados de la emisora están: La hora sinfónica corona, que transmitía obras alrededor de las 15:00 horas; Misa dominical con piezas de cantos gregorianos; y Discoteca del coleccionista, que transmitía grabaciones exclusivas de grandes compositores. Adicionalmente existieron espacios de apreciación musical, dedicados a compositores mexicanos, la música barroca, sacra y solistas destacados.

El material ahora se encuentra resguardado en las bóvedas de la Fonoteca Nacional a una temperatura de 18 grados centígrados y 40 por ciento de humedad relativa.

JOYAS MEXICANAS. Cuando la estación dejó de funcionar, muchos se preguntaron por el destino de su acervo y durante años se creyó perdido, algunos especularon que había sido comprado o destruido. Sin embargo, en 2008 la familia Fernández Prieto reconoció que había resguardado el material en una bodega.

El material, reconoció Álvaro Hegewisch, estaba apilado en cajas de cartón y en general su estado de conservación fue aceptable, aunque algunos LP’s resultaron dañados, con rajaduras, roturas y desprendimiento de pedazos, que en su momento serán restaurados, dado que el disco de vinil es un soporte estable y menos vulnerable, a diferencia del disco compacto”, apuntó.

La colección XELA, detalló, cuenta con discos donados por intérpretes y compositores mexicanos, entre los cuales muchos de éstos no han sido reeditados en CD, y se considera que podrían ser utilizados como versiones únicas para su posterior edición, detalló Álvaro Hegewisch.

Entre las joyas musicales descubiertas están los títulos emblemáticos de intérpretes mexicanos como la versión del “Concierto para violín” de Brahms, bajo la dirección del director Luis Herrera de la Fuente; “La Suite Iberia” de Albéniz, interpretada por el pianista Miguel García Mora, en la legendaria serie Musart.

De Candelario Huízar, uno de los grandes orquestadores mexicanos, está la versión de sus obras “Pueblerinas”, “Sinfonía 4 Cora” y “Sinfonía 2 Ochpaniztli”, dirigidas por Francisco Savín al frente de la Orquesta de Jalapa.

También están algunas grabaciones de la cantante María Bonilla, cuyas grabaciones son atesoradas por coleccionistas, como su disco de versiones líder de Schumann, Brahms, Wolf y Schubert.

Y del connotado director mexicano Eduardo Mata se han encontrado grabaciones en vivo de conciertos realizados en Holanda, como “La alborada del Gracioso” de Ravel, “La Rapsodia sobre un tema de Paganini” de Sergei Rachmaninoff.

Sin embargo, reconoció, estos descubrimientos son el inicio de un primer acercamiento al material.

IMPAGABLE. Una de las virtudes de esta colección es que gran parte de su material fue tocado solo una vez, pues la política de la estación fue adquirir y resguardar el material original, y en sus emisiones sólo utilizaban grabaciones en cinta de carrete, explicó Hegewisch.

Otra ventaja, reconoció, es que el material no fue enajenado por algún particular, ya que esto seguramente habría dificultado su acceso, y seguramente su costo lo habría hecho impagable, detalló.

Este material permitirá, en su momento, su digitalización total a 96 Khz por 24 bits, rango utilizado para la preservación, al cual tendrá acceso el público en la Fonoteca. “de tal suerte que será posible escuchar a Eduardo Mata, uno de los grandes compositores mexicanos, con grabaciones hasta ahora inconseguibles”, apuntó.

Por ahora, explicó el funcionario, el material se encuentra en una bóveda y se está realizando la identificación del material para conocer las joyas que contiene.

El primer disco de la colección corresponde a la ópera “Fausto” del compositor francés Charles Gounod, interpretada por Eugene Conley y Eleanor Steber, en una producción de la Metropolitan Opera Association.

Pero a simple vista el acervo musical deja ver discos de Franz Shubert con Wilhelm al piano; la “Sinfonía no. 5 en E menor” de P.I. Tchaikovsky bajo la dirección de Leopold Stokowski; o “The Goldenberg Variations” de Johann Sebastian Bach con Glenn Gould al piano.

Entre tanto, en la página web de la Fonoteca Nacional se encuentra un inventario preliminar, pero en cuanto concluya el análisis del material se anunciarán todos sus tesoros, afirmó.

Finalmente Álvaro Hegewisch afirmó que hasta el momento aún está pendiente el convenio formalizado con quienes tienen los derechos del material, por lo que no se sabe si se firmará como donación o comodato.

“La capital del país es el laboratorio de una sociedad que vive en los extremos”

2010-08-02T13:08:00.002-05:00

JM Servín durante la plática con este diario * Foto: Luis Humberto González

JM Servín
lanza con Almadía
DF Confidencial:
crónicas de delincuentes, vagos y demás...

Por ARTURO GARCÌA HERMÀNDEZ
Periòdico La Jornada
Cultura

La ciudad de México es muchas ciudades. De todas, una le interesa más al escritor JM Servín, una que padezco y me atrae a la vez, una que vive en la nota roja, la de las subculturas que florecen en la periferias de lo proscrito, de la marginalidad y la impunidad; una ciudad que fascina por muchas cosas, pero que al mismo tiempo puede resultar repelente, dura y cruel si no sabes adaptarte o fluir con ella.

De esta ciudad, donde la población pende de la cuerda que une lo lícito con lo delictivo, escribe en su libro más reciente: DF Confidencial: crónicas de delincuentes, vagos y demás gente sin futuro, publicado en el sello independiente Almadía. Título elocuente que hace un guiño, por afinidad y admiración, al libro LA Confidential, del estadunidense James Elroy.

–¿No ha sido suficientemente contada esta ciudad? ¿De dónde la necesidad de contarla?

–Lo ha sido, pero son demasiadas sus aristas como para creer que ya se dijo todo. Tiene una vida propia que la vuelve demasiado vertiginosa, incluso a los ojos de los cronistas más experimentados. Aunque ya ha sido contada, me parece que de un tiempo a la fecha se habla de sus aspectos más amables, se le ha idealizado como una ciudad de primer mundo, al nivel de París y Berlín, pero no lo es. Tiene aspectos mucho más ricos e interesantes de tratar que los antros de la colonia Condesa o de la Roma. Desde sus ciénagas, desde sus bajos fondos, desde la perspectiva del leperaje, hay muchas cosas que están por contarse. Es un laboratorio de una sociedad que vive en los extremos y en donde también subyace una fuerza social innegable que da oportunidad para ejercicios literarios como el que estoy presentando, donde ciudadanos y escritores estamos experimentando todo el tiempo.

En particular “me interesa la picaresca urbana, desde el delincuente común hasta todos esos tejidos sociales que tienen mucho que ver con la corrupción y la doble moral del mexicano, las contradicciones de esa parte de la ciudad que dicen mucho de nuestra idiosincracia. La observo como haría un patólogo o un siquiatra forense; me interesa desde su perspectiva de trasgresión, de los bajos fondos, de su historia social a partir del pueblo y de lo que ha generado a lo largo de los años; una sociedad enamorada de la ilegalidad, resultado de profundas diferencias sociales y económicas, con fenómenos paralelos como el ambulantaje, la delincuencia, la inseguridad, pero también a través del silencio, la chacota, la indolencia y la cábula. No es cuestión de un gobierno u otro, sino histórica.

Desde la perspectiva de JM Servín, los fenómenos señalados son la respuesta de resistencia y autoprotección por la población de esas zonas ante el hecho de que la ciudad les ha sido arrebatada de algún modo. Se nos pretende vender que es democrática, pero donde impera la impunidad y la ilegalidad a causa de las profundas desigualdades.

–¿La trasgresión en la ciudad es entonces una forma de cuestionamiento al poder?

–En lo máximo y en lo mínimo; siempre es un cuestionamiento al poder, porque hay algo en el ejercicio del mismo que no está haciendo para relacionar a una sociedad de manera más sana.

–¿Y por qué registrarla, para qué contarla?

–Es más importante contarla que dejarla pasar de largo. Están ocurriendo muchas cosas importantes de las cuales hay que tener registro, no pueden quedar sólo expensas de la banalización de los opinadores profesionales de la televisión. Si algún compromiso tienen la literatura y el periodismo es el de registrar su momento histórico, su hoy, su aquí.

Con DF Confidencial, JM Servín también quiso reconocer y revalorar la tradición de periodismo policiaco, el de nota roja que empezó a hacerse en México en el siglo XIX, en tiempos de la Reforma. A dicha tradición pertenecen Manuel Payno, Vicente Riva Palacio, con El libro rojo, “y de ahí en adelante tenemos un montón de escritores que han practicado ese género proscrito: Martín Luis Guzmán; Ignacio Manuel Altamirano, El Zarco; Jorge Ibagüengoitia; José Revueltas; Ricardo Garibay, o Sergio González Rodríguez, autores que se ha nutrido de la nota roja”.

En tiempos recientes, los periodistas jóvenes se han olvidado de ese periodismo, les parece denigrante, mientras una de las páginas más brillantes de la historia social del país y de la ciudad ha sido escrita en este género.

Por otro lado tenemos los Populibros La Prensa, “donde por medio de este tipo de periodismo se escribieron páginas gloriosas de esta ciudad, a través de reporteros como David García Salinas, El Güero Téllez, José Ramón Garmabella, y desde el periodismo gráfico uno de los grandes artistas mexicanos de todas las épocas, Enrique Metinides”.

Autodefinido como escritor y periodista free lance, de formación autodidacta, que ha buscado la forma de escribir sólo lo que le gusta o interesa, es partidario del periodismo subjetivo autorreferencial.

–¿Cómo sortea el riesgo de convertirse en el protagonista de sus historias?

–Es que lo soy, pero la historia que cuento siempre está por encima de mí; trato de narrarla de tal manera que el lector no piense en mí, sino en lo que estoy narrando.

La saturación de música comercial ahoga las propuestas culturales independientes...

2010-08-02T12:56:00.003-05:00

Crítica. Para Modesto López, en los últimos años los sellos independientes han sido marginados del alcance del público. Foto: Juan Carlos Talavera

Por Juan Carlos Talavera
LA CRÒNICA DE HOY
Culturas

Estamos sobresaturados de música comercial que paulatinamente nos está llevando hacia la aniquilación del pensamiento, aseveró Modesto López, director de Ediciones Pentagrama, al anunciar la primera Feria del Disco Independiente, que iniciará el 31 de julio, donde diversos sellos independientes se agruparán para ofertar sus títulos.

Para el editor de música clásica y tradicional de México y el extranjero, “ser una editorial independiente es casi como luchar en el mar”, ya que en los últimos años “los sellos independientes han sido marginados del alcance del público; además, muchas tiendas están cerrando y no existe el apoyo de una política cultural coherente, que impulse este tipo de proyectos”.

Apuntó que los medios de comunicación masivos han contribuido a la inexistencia de las editoriales independientes. “En radio y televisión casi no existe la posibilidad de difundir el repertorio de música llena de gran riqueza, salvo en aquellas estaciones culturales y universitarias, pero para los medios masivos no existimos”, dijo.

“Los medios de comunicación tienen otros tipos de intereses relacionados con la conformación del gusto de la gente, y se encargan de “conformar un gusto de aniquilación sobre nosotros, sin embargo, las editoriales independientes continuaremos apostado por enriquecer el conocimiento del ser humano”, explicó.

Señaló que México es un país lleno de riqueza cultural, donde no existe el más mínimo interés por recuperar ni conservar la tradición musical creada por los maestros que permanecen desconocidos a nuestros ojos.

MÁS ESPACIOS. Organizada por la Asociación Mexicana de Productores, Promotores y Distribuidores Independientes de Música (Ampprodim) la feria permitirá difundir las producciones independientes y de calidad producidas en México y fuera del país de seis casas disqueras.

“Existe una evidente necesidad de producir y difundir material de música clásica y tradicional, en un mercado donde los cánones comerciales buscan metas económicas que sobrepasan cualquier razonamiento de carácter cultural”, añadió.

Detalló que tan sólo Pentagrama cuenta con una serie de 650 títulos en su catálogo, pero comercialmente sólo se exhiben cerca de 150 títulos en la librería Gandhi, “por lo que nos encontramos con un problema grave: hacemos discos, producimos y no tenemos la manera de cómo venderlo”.

Uno puede producir buena o mala música, el problema es cómo llegar al público, cómo hacer que el producto adecuado llegue al consumidor. “Tenemos que generar espacios que nos acerquen a nuestro público, ya que no tiene caso producir discos para que éstos permanezcan en la bodega”, detalló.

Entre las novedades que Pentagrama ofrecerá en la feria, se encuentran los álbumes Taberna y otros lugares, de Roque Dalton, y A dos voces, de Daniel Viglietti y Mario Benedetti.

También se presentará el álbum Íntimo anónimo del ignoto amoroso, de Nayeli Nesme, una antología de canciones de Argelia Fragoso, cantante cubana que grabó a dúo con viejos trovadores de la isla, y se tendrá acceso a los discos Concierto mexicano y Zarzuela y cantos de España, en la voz del escritor tenor Carlos Montemayor.

La feria se llevará a cabo todos los fines de semana de 2010 e iniciará el próximo sábado 31 de julio y domingo 1 de agosto en la Cafetería La Vitrola. Coahuila No. 49, colonia Roma de 10:00 a 19:00 horas. Entrada libre. Mayor información al teléfono 5564 3877 y 5564 3894

EL ROCK Y EL SOUL SE VISTEN DE PÙRPURA ...

2010-06-30T18:01:00.005-05:00

Por NoRocKma 101...

PRINCE
en DOMINGOS
de IDEA MUSICAL

Con el álbum For You, el diminuto genio de Minneapolis, conocido como Prince, se presento al mundo en 1978, tras diez años de trabajo duro entre bambalinas en su ciudad natal. Sin duda, fue un debut interesante, pero no logró gran éxito. El entorno natural del artista era el escenario donde actuaba llevando medias y liguero y muy maquillado (un homenaje a los grandes como Little Richard y Rick James), pero la impresión se convertía en asombro cuando empezaba a tocar la guitarra. En ese momento, Jimi Hendrix era el ícono al que mas se parecía. La ruta que Prince siguió hacia el éxito lleveba del soul al funk, pasando por el rock y el punk.

Un retrato acertado de este músico, como el propio Prince afirmó, es de <>. Estamos en el planeta Prince, disco tras disco, desde su multiplatino Purple Rain hasta Sing of the Times o el legendario Black Album, con su gran homenaje a James Brown, y el mas inconexo triple álbum Emancipation, igualmente lleno de calidad. Prince ha tocado con Rick James, Morris Day y The Time; se ha unido al legendario George Clinton en el escenario y produjo un álbum de Mavis Staples, ya conocida por el público roquero por sus otras colaboraciones (Incluida la película de Scorsese The Last Waltz con The Band, Clapton y otros).

El balance es que Prince estendió su círculo y buscó un consenso. A lo largo de su carrera. Prince nunca ha ocultado el hecho de que deseaba sentir la comodidad de verse arropado por otros músicos; quería romper su soledad y siempre encontraba un motivo para continuar haciendo música. El gran éxito de la banda sonora de Batman también destacó la debilidad de Prince: el estrecho espacio que a menudo evita que forme parte del carrusel comenrcial en el que Michael Jackson viaja con tanta facilidad. La tumba siempre está a un solo paso, y Prince a menudo camina por el filo; en este caso, bien podría haber dado un traspie. Sin embargo tras Batman, apareció Graffitti Bridge y el genio de Minneapolis recobro la compostura. El álbum se ha considerado la cima de la producción contemporánea de Prince y confirmó lo que ya sospechábamos: una vez resueltas sus crisi artísticas y personales (se vislumbra en la frase que aparece al omienzo del disco, antes de la música, en la que se dirige a su padre y admite que las cosas a veces no han sucedido como él queria, y que a menudo algo de su interior le hace sentir como si explotara), el músico cumplia sin duda, su papel de intermediario elegido entre el funk histórico y el nuevo rap urbano, instalandose en una dimensión entre el rock y el soul y mezclándolos con un amplio espacio para maniobrar.

La electrónica y la mera presencia física (como el chasquido de los dedos que a menudo se oye entre dos temas), equilibradas con pegadizos ritmos llamativos, pero romáticos, interrumpidos por solos y sonidos que parecen producto de cualquiera de las calle en los distritos negros, aparecen en Graffitti Bridge como un autentico manifiesto para un músico y una cultura musical. Aunque como el resto de sus otros álbumes, ha menudo parece que las canciones se han compuesto para ser fieles a la visión del primero más que para encajar a los confines de la segunda. Es un esfuerzo que parece más allá del alcance de cualquier otro, pero, por supuesto, es normal para el solitario perfeccionista de Prince. Fue esta exploración la que trnsportó a Prince del pasado al presente, y la que le llevará al futuro.

San Francisco 06/22/2010

2010-06-30T17:48:00.003-05:00

The Psychedelic Furs - Greatest Hits (2001)

Por NuWave...

Eran las 6 y había que salir con anticipación de San José por el tráfico, así que solo hubo tiempo para unas tortas vietnamitas y un jugo de coco.

El tráfico a la altura del Candle Stick se hizo más pesado y a la hora de entrar a San Francisco era más pesado aún. Por fin llegamos al barrio japonés con buen tiempo y a unos cuantos metros estaba el Fillmore, templo de la música que ha visto desfilar al más alto calibre musical.

A la entrada, y verificando que nadie portara armas, una negrita sandia al aproximarse a mi dejó su aroma “weedozo” de hace no uno, si no de más de cien conciertos.

Ya adentro nos apoderamos de una de las cuantas mesas disponibles que estaban al lado derecho del escenario, y unas bebidas no caían mal, aunque lo que cayo mal fue el precio: $10 dólares por un vaso de vino! ...con eso me compro una botella y me dan cambio!

Eran las 8:15 y salió el 1ero de la tarde: “She Wants Revenge” con buena música, buen sonido, pero carentes de energía, simplemente se pararon, tocaron y dejaron al último lo que ellos llaman "sus rolas para bailar", y si, entre ellas estaba “Out of Control”.

Ahi el vocalista aprovechó para bailar sus únicos pasos de la noche, tal cual péndulo de reloj. También exclamó un: órale! a ustedes si que les gusta pegarle a esa hoja verde!

Terminaron sus rolas bailables, agradecieron los aplausos y ellos mismos desconectaron y cargaron sus instrumentos musicales.

El segundo de la tarde fue: “Psychedelic Furs” ..el furor, el humo y el olor subieron de intensidad. Richard Butler salió enfundado en un traje negro que incluía chaleco y una sudadera que se ajustaba en el dedo pulgar, hizo una caravana y agradeció los aplausos. El recital inició con “Love My Way” y su famosa línea: "You can never win or lose If you don't run the race" y de ahí Richard no paró de bailar, inclusive entre canción y canción, parecía David Byrne en semáforo de la ciudad de México, esperando el siga para continuar corriendo.

Por otro lado, Tim, cual tradicional bajista, se paró en una esquina y simplemente cantaba cada una de las canciones y hacia caras a los fans detrás de sus gafas obscuras.

Los 2 tipos muy carismáticos con su publico.

Continuaron desfilando: Heaven, Heartbreak Beat, Until She Comes, India, In My Head, The Ghost in You, All that Money Wants y otras.

Los momentos màs notables fueron: President Gas, donde el saxofonista tocó magistralmente màs de un solo, y Pretty in Pink donde el griterío, el humo y el olor crecieron exponencialmente con el afán de que todo luciera en rosa.

Lo negativo fue la falta de punch en los teclados, los cuales, no se incorporaron bien en ninguna canción.

En ciertos momentos Richard se acercaba a los fans, les cantaba y estrechaba sus manos, agradeció más de una vez la oportunidad para regresar a San Francisco y dejó contentos a todos sus fans.

Aquí una probada lo que se vio y escucho:

Fallece Peter Quaife...

2010-06-30T14:48:00.003-05:00

La revista Rolling Stone ha publicado que Peter Quaife, el que fuera primer bajista del grupo The Kinks, entre 1961 y 1969, ha fallecido a los 66 años de edad debido a una falla renal, se se sabe que Quaife habìa estado sometido a un tratamiento de diálisis durante la última década.

Quaife tocó su bajo en gran parte de los éxitos de The Kinks, entre ellos figuran “You Really Got Me”, “All Day and All of the Night”, “Waterloo Sunset” o “Dedicated Follower of Fashion”.

Quaife creció en el mismo vecindario que la familia Davis, y conoció a Ray en clase de música cuando cursaban la Secundaria. A Ray le impresionó la forma de tocar la guitarra de Pete y le invitó a formar un grupo junto a su hermano Dave.

En noviembre de 1961 la primera formación de The Kinks se completó con la llegada de John Start, amigo de Quaife, y el mismo que tocaba la batería. Al poco tiempo dieron su primera actuación en vivo dentron de la escuela. En el repertorio se dejaron escuchar en aquel entonces versiones de The Ventures, The Shadows o Duane Eddy...y el resto? ese ya es historia.

Up And Coming Tour Video Blog - Mexican Magic ...

2010-06-30T14:27:00.001-05:00

Paul McCartney sube video y agradece a Mèxico ...

Paul McCartney sube un video a YouTube para agradecer a México ...

2010-06-30T13:23:00.002-05:00

Por Milenio.com

En la grabación se puede observar el recorrido que realizó el cantante desde el hotel en que se hospedó hasta su arribo al Foro Sol, el ex Beatle culmina el video con un: “Thank You Mexico”.

México.- Paul McCartney, quien el mes pasado visitó nuestro país para dar dos conciertos en el Foro Sol, subió a su canal oficial de YouTube un video para brindar un homenaje a las calles de la Ciudad de México.

En el video se puede observar el recorrido que realizó el cantante, desde el momento en que sale del hotel en el que se hospedó en Paseo de la Reforma, así como a los fans que se avientan eufóricos sobre su camioneta.

En la grabación, que título “Magia Mexicana”, también ofrece imágenes del momento en que pasa frente al Palacio de los Deportes y de su arribo al Foro Sol.

Durante el trayecto, desde el interior de su vehículo, el cantante saluda a sus fans, a quienes se les puede ver con pancartas de bienvenida para el ex Beatle.

Por último, en el video comenta que fueron “dos espectáculos sorprendente”, para culminar con un: “Thank You Mexico”.

* Por mi parte, yo Claudinha, aquì les dejo una de las partes màs emotivas del segundo concierto que diera Paul McCartney en la Ciudad de Mèxico, el pasado mes de mayo en el Foro Sol*

Su ATENCIÒN por favor !!!

2010-06-27T12:16:00.005-05:00

Sabemos que no a todas las personas les gusta el Soccer, y hay a quien le gusta estar con un ojo al gato y otro al garabato, sea cual fuese el caso, aquì les dejo una liga para que a las 2:30 de la tarde (hora centro de Mèxico), vean el concierto en vivo de --> PAUL McCARTNEY...

Cartel CORONA CAPITAL

2010-06-20T19:34:00.002-05:00

Que en paz descanse el maestro CARLOS MONSIVÀIS ...

2010-06-20T19:06:00.003-05:00

Lo que hacían Arau y Monsiváis en los ‘60

Un disco de un grupo llamado “Los Tepetatles”, una parodia mexicana de Los Beatles, se ha convertido en una pieza de enorme valor para los coleccionistas

Iván Cadín
El Universal
Miércoles 08 de julio de 2009

*La faceta del maestro que muchos desconocen*...y asì le rendimos homenaje aquì.

Los Tepetatles - Arau a Go Go (1965).rar

A finales de noviembre de 1965, en la calle de Puebla de la colonia Roma, el centro nocturno más rimbombante de la ciudad de México, El Quid, propiedad del productor de televisión Ernesto Alonso, presentaba un nuevo show con el bombo y el platillo que lo caracterizaban.

El llamado Señor Telenovela pidió un show de cabaret y ofreció toda la libertad artística posible. El artífice urdió “hacer un show ultramoderno”. Ese autor era el artista Alfonso Arau y de ese happening nacería nuestro The Velvet Underground: Los Tepetatles.

Experimentación

Con las maletas llenas de experiencia después de una gira mundial con su espectáculo de pantomima Locuras felices, de haber fundado y dirigido el Teatro musical de La Habana, Cuba, y con clases de pantomima bajo la mirada de Etienne Decroux (maestro de Marceau), el cineasta aterrizó en México a mediados de los 60 con la oferta de Ernesto, quien “tenía la idea de que yo iba a hacer algo muy clásico, como Locuras felices, ¿no? Y a mí se me ocurre hacer una parodia de Los Beatles”, recuerda el también actor.

Así, Alfonso Arau se dio a la tarea de armar su nuevo número. En el café cantante Harlem, por los rumbos de Coyoacán, donde la juventud de aquellos años se juntaba a tomar café o limonadas, llegó en pos de sus músicos.

Marco Polo Tena, Marcos Lizama y José Luis Martínez El Bayoye, fueron los seleccionados, respectivamente, para ocupar los puestos de la banda, en el bajo, la guitarra y la batería. Un músico venezolano, de raigambre jazzística, Julián Bert, ocuparía los teclados, así como la dirección musical.

En alguna de sus recurrentes visitas al restaurante Tirol, invitó a Carlos Monsiváis, entonces cinéfilo empedernido y asiduo colaborador de varias redacciones culturales, para que elaborara las letras del grupo en ciernes. De igual manera, los reconocidos artistas gráficos Vicente Rojo y José Luis Cuevas fueron convocados para armar la parte visual del espectáculo. Todos y cada uno en el entusiasmo puro; eran los años de la efervescencia cultural, del concurso de cine experimental y de las exposiciones de Manuel Felguérez, los días en que Gabriel García Márquez decidió encerrarse para comenzar a escribir Cien años de soledad.

Dios los hace y el comic los junta...

El show concebido iba más allá de la parodia a los de Liverpool.

En un dossier que se incluyó en el hoy cotizadísimo disco que registró este experimento, sus diversos integrantes firmaron textos en los que explicaban qué diablos era aquello que presentarían en el Quid, un show que llevó el nombre de “Triunfo y aplastamiento del mundo moderno con gran riesgo de Arau y mucho ruido”.

Alfonso Arau, (33 años entonces), escribió: “El tema central es la rebeldía, con causa o sin causa, con derecho o sin legalidad (...) Para entenderlos (a los rebeldes), debemos primero expresarlos (...) La tarea de un show es expresar estados de ánimo, si es preciso, con melenas, barbas, guitarras eléctricas, sátira y ROCK AND ROLL”.

Monsiváis (27 años) inscribió al show dentro de esa nueva corriente, el pop-art, que “nos ha hecho advertir implacablemente el significado cultural de la Coca Cola y las hamburguesas y los retratos de Marilyn Monroe y los trajes de cuero y las latas de comida y las motocicletas y los jingles y los carteles publicitarios y las historietas y las melenas eléctricas y el contraespionaje (...) Nuestro show quiere ser pop-art, y expresarse a través de canciones-pop y el humor pop”.

Un tercer texto no menos importante pero sí más explosivo, como es tradición en su autor José Luis Cuevas (31 años), retaba:

“¿Sabían ustedes que en los medios más cultos de Nueva York, Londres o París, la gente ya no habla de Dylan Thomas o del insoportable Arthur Miller o de Osborne o de Robbe Grillet o de la música Concreta (¡puff!)? Ahora se discute a Lee Falk (creador de El Fantasma y Mandrake) y quien no lea Creepy (historieta de terror estadounidense) es un retardado“.

Debut ¿y despedida?

Aquel frío de noviembre de 1965 se dejó de sentir cuando The Tepetatles subió al escenario del Quid. Y no precisamente por el candor de su presentación.

Carlos Monsiváis, testigo primigenio de esa debut, recuerda: “La respuesta no fue tremolante. Más bien el Quid se despobló con rapidez. A Ernesto Alonso, cuando oyó las canciones, no lo entusiasmó, no lo vi alborozado. Me comentó: ‘esto no es para mi clientela’”. Marco Polo Tena, bajista de ese proyecto y también de los legendarios Rebeldes del Rock, fotografió a los clientes: “era la crema y nata de la sociedad de México y de la sociedad artística”.

Alfonso Arau complementa: “era el lugar de moda: el tout Mexique estaba ahí”, dice no sin cierta sorna y prosigue: “Cuando Ernesto Alonso lo vio, se aterrorizó. Se decepcionó muchísimo, no era eso lo que esperaba. Se fue a su casa de Cuernavaca y nunca se volvió a aparecer. Pensó que le estábamos mancillando el lugar.”

El show, un “espectáculo satírico a go go en dos actos”, como se presentó oficialmente en ese “boite de nuit” (el cabaret así se catalogaba), fue, primeramente, un show de video en vivo, pues se instaló un circuito cerrado y en cada mesita se puso un pequeño televisor, imágenes que eran dirigidas por “un orate total” del switcher, Fernando G.

Las letras de la sui géneris banda corrieron a cargo del cronista por excelencia del siglo XX mexicano, Monsiváis (Chava Flores fue requerido, pero a decir del autor de Días de Guardar, el proyecto “no le interesó demasiado porque el hecho mismo de que fuese en un cabaret de ciertos vuelos lo sentía insuficiente”).

Cuando uno escucha los 12 cortes del disco percibe esa descripción, ironía, urbanidad, esa ubicuidad-pop que ha caracterizado al escritor.

Tenemos, por ejemplo, la rola que abre el disco homónimo de la banda, con un estribillo algo punk que se burla de las deidades del momento bajo una base de rock steady: “Y ante nuestro grito los Beatles parezcan / monjas encerradas que en silencio rezan”. O qué decir de “I wanna love ya, Cordobés” con su “Espartero, ya te fuiste”.

El papel de Los Tepetatles no se redujo únicamente a tocar música. También dieron vida a personajes diseñados previamente: un jazzista con nudo de corbata a la batería, un músico clásico extraviado en los teclados rocanroleros, un dandy al más puro estilo británico en el bajo, un maya de paliacate y manta a la guitarra y un vocalista impertinente que gritaba y aullaba a la vez que tocaba una guitarra de doble mástil donde se asomaba una tercera mano de utilería.

Culto al tepetatle

“Veníamos de lugares muy distintos y cada quién tenía sus propias vidas. Nunca estuvo planeado hacer un grupo de rock”, aclara Arau.

“La intención era estrictamente satírica, nunca hubo un intento de hacer música de rock sino de divertirnos a costa de lo que había”, agrega Monsiváis. No obstante la inmediatez que representó el show, Marco Polo Tena da una certeza: “Creo que lo que se sembró se cosechó adecuadamente”. A más de 43 años de aquel suceso, el show y The Tepetatles no se quedaron en el olvido. Dos décadas después, el ochentero grupo Botellita de Jerez (donde milita el también cineasta Sergio Arau, hijo de Alfonso), habría de retomar para su disco debut un corte 100% tepetatle, “Tlalocman”.

El disco, único vestigio de este show que queda para la posteridad, con un diseño no tradicional para entonces (collage, dibujos, dos rostros expresivos de Arau en la portada), tiene un precio proporcional a su escasez de unidades. En el Tianguis del Chopo saben de ese valor en miles de pesos, hasta 20 mil.

Si los Tepetatles son los padres de Botellita y éstos, a su vez, son los de Café Tacvba, ¿entonces aquellos son los abuelos de éstos?, se les pregunta a los distinguidos entrevistados.

“Se perpetuó en La Maldita Vecindad, en los Caifanes, etc. Absolutamente: son mis nietecitos esta bola de inconscientes”, bromea Arau.

Monsiváis, lacónico, también ofrece la línea de parentesco: “Ya estoy pensando en declararme bisabuelo de quien se deje porque ya el tiempo me alcanzó (...) Y desde luego, si me lo solicitan esos grupos iré al registro civil a firmar mi condición de abuelo”.

AHES TO ASHES

2010-06-20T18:40:00.004-05:00

“Ashes To Ashes - Cenizas A Cenizas, extracción medular del --> Scary Monsters. Modernidad de tendencia influenciable DE 1992, DIGNA idea musical: David Bowie”.

LGS
ROCK101

El Genoma de OZZY Osbourne ...

2010-06-20T18:13:00.002-05:00

Por Cada día un cantar ...

SECUENCIARAN EL GENOMA DE OZZY PARA AVERIGUAR CÒMO HA SOBREVIVIDO A LAS DROGAS Y AL ALCOHOL ...

Ozzy Ousbourne saltó a la palestra en 1968 al frente de la banda que sentó las bases del heavy Metal, Black Sabbath. Desde entonces, en ningún momento ha ocultado su adicción al alcohol, al tabaco y a todo tipo de drogas comunes y menos comunes. Ahora, con los 61 años cumplidos, mantiene su consumo sin que hasta el día de hoy le hayan dado ningún susto grave.

Este es un hecho que ha llamado la atención a cualquier persona conocedora de su carrera, e incluso a él mismo, ya que hace unas semanas declaró para la cadena británica Sky News que se consideraba un milagro médico después de haber estado cuarenta años en la brecha.

A raíz de esto, tal como publica hoy CBS News, se ha subencionado a Knome, una empresa estadounidense, para que secuencie el mapa genético de Ozzy Osbourne, lo cual debería llevar en torno a tres meses. Según Nathan Pearson, el director de este proyecto, el análisis de individuos con historiales médicos extremos como el de Ozzy Osbourne pueden tener un gran valor científico.

Mientras tanto, todos los seguidores del buen rock podremos seguir disfrutando de la polémica figura de Ozzy, ya sea con sus excéntricas apariciones de los últimos años, o con grandes éxitos de la talla del aclamado “Paranoid” y su archiconocido “War Pigs”

Antes ...

2010-06-20T17:21:00.005-05:00

Por Luqui...

Ante su novedad, ante la época… y ya que era tecnología nueva, la pregunta era:

¿Cuál fue tu primer CD?

Ahora les pregunto yo…

¿Cuál es el último CD que compraste actualmente?

Al menos, yo llevo meses sin comprar uno... de tantos, que ni recuerdo cual fue.

Yo creo que las disqueras si hubieran sabido del impacto por la piratería, ni sacan el CD, claro, no podemos dejar de ver cómo vuela de un lado a otro la música por medios digitales.

¿Será que estamos condenados a que una banda, de aquí en adelante, sea de solo una canción cuyo rostro no existe y de apellido tenga .mp3?

Y que ya no conozcamos ni el origen del nombre, o de dònde es la banda...

¿Se hace 'accesible' el mundo, pero es para bien o solo para darle una untada al paso del tiempo?

¿Y la sustancia?

Mucha investigación a Marte, mucha arma nuclear, mucho iPod, mucho Internet, mucho wireless, mucho bluetooth, mucho blue point, mucho blue demon ¿y no puedo tapar una fuga en el oceano? una fuga que ellos hicieron y sabe qué vaya a pasar y hasta cuando vaya a parar...

LESLEY DUNCAN ...otra màs que se nos adelanta !!

2010-06-20T16:23:00.004-05:00

Por la caja de música, Eduardo Norris...

El pasado 12 de marzo del presente año, falleció esta bellísima cantante que, tanto los fanáticos de Pink Floyd, como de The Alan Parsons Project recordaran por sus intervenciones -como corista junto a Clare Torry- en "Dark Side of the Moon" o como primera voz del hermoso tema "If I'could change your mind" (Del disco 'Eve', de TAPP).

Sus trabajos más destacables fueron como cesionista, tanto de los grupos mencionados, como de Elton John y Ringo Starr, por citar los más conocidos.

No desarrollò una carrera personal muy llamativa, aun cuando publicò algunos álbumes como solistas, entre ellos, el último aparecido en 1980 llamado "Sing Children Sing", con la colaboración de grandes músicos como el recién mencionado Elton John, Ry Cooder y Chris Spedding.

Citando recién el disco 'Eve', bien: hicieron Alan Parsons y Eric: Woolfson en redondear esta obra con un broche de oro en el último tema que mencioné más arriba, con una interpretación que, al escucharlo, no puede hacer otra cosa más que despertarnos la admiración por el bello timbre vocal de esta artista, en un tema romántico que no cae -como era de esperar con The Alan Parsons Project- en la pobreza, vacio y rechazo que este tipo de música llamada 'melódica' genera con otros músicos. Admirable, realmente.

Gran Bretaña pide perdón por el “Bloody Sunday” ...

2010-06-20T16:02:00.005-05:00

Por Clarìn.com...

Tras difundirse una investigación de largos años sobre el “Domingo sangriento” de 1972 en el que soldados británicos asesinaron a 14 civiles norirlandeses, el primer ministro británico dijo que la matanza fue "injustificada e injustificable".

En 1972 catorce personas murieron al disolver a tiros los soldados una manifestación por los derechos civiles de los católicos del Ulster.(AP)

Al difundirse una investigación que duró unos largos 12 años sobre lo que ocurrió ese fatídico día de 1972 en el que soldados británicos mataron a 14 civiles norirlandeses que participaban de una manifestación, pasando a la historia como el “Bloody Sunday” o “Domingo sangriento”, el primer ministro británico, David Cameron, dijo que esa matanza fue "injustificada e injustificable".

En 1972 catorce personas murieron al disolver a tiros los soldados una manifestación por los derechos civiles de los católicos del Ulster.(AP)

"Las conclusiones de este informe son absolutamente claras. No hay duda. No hay nada equívoco. No hay ambigüedades. Lo que sucedió en el ‘Bloody Sunday' fue injustificado e injustificable", declaró Cameron al presentar ante el Parlamento el informe dirigido por el ex juez del Tribunal Supremo lord Saville of Newdigate sobre lo ocurrido el domingo 30 de enero de 1972 cuando soldados británicos del Primer Regimiento de Paracaidistas dispararon contra una manifestación a favor de los derechos civiles.

En 1972 catorce personas murieron al disolver a tiros los soldados una manifestación por los derechos civiles de los católicos del Ulster.(AP)

El primer ministro pidió perdón en nombre del gobierno y de toda Gran Bretaña por lo ocurrido. La declaración fue retransmitida en directo por pantalla gigante en la ciudad norirlandesa de Londonderry, escenario de la matanza.

En 1972 catorce personas murieron al disolver a tiros los soldados una manifestación por los derechos civiles de los católicos del Ulster.(AP)

Una comisión presidida por el juez Mark Saville investigó durante 12 años y en base a 2.500 testimonios los trágicos acontecimientos de ese domingo de enero de 1972. El informe concluyó que ninguna de las 14 personas asesinadas aquel día llevaban armas de fuego y que los soldados no dieron ningún aviso previo antes de comenzar a disparar contra la multitud. Las muertes fueron la consecuencia de que los soldados "perdieron el control de si mismos", explicó Cameron, quien añadió que la investigación deja claro que algunos de los soldados "dieron conscientemente falsos testimonios" tras los disturbios.

(Fuente: Agencias)

Arte bajo sospecha ...

2010-06-20T15:23:00.006-05:00

Posteado por Contricanis...
ELPAÌS.COM

La Madona de los Claveles de Rafael NATIONAL GALLERY

La lista de atribuciones falsas o dudosas llena el mundo del arte. La National Gallery de Londres expone una parte del trabajo constante que los historiadores llevan a cabo para establecer la autoría de las colecciones de los museos. Durante todo el verano se podrán ver las falsificaciones, errores y descubrimientos de Botticelli, Holbein, Rembrandt y otros artistas.

El soldado muerto no era de Velázquez. El jinete polaco no lo pintó Rembrandt. El coloso parece que tampoco es de Goya. La lista de falsas o dudosas atribuciones llena el mundo del arte. Los museos y el mercado tiemblan cada vez que los expertos se reúnen. ¿Hasta qué punto podemos estar seguros de la veracidad de las cartelas que informan sobre la autoría de una obra? La National Gallery de Londres ha sido una de las primeras instituciones en agarrar el toro por los cuernos y poner bajo la lupa de los investigadores una buena parte de su imponente colección de arte antiguo formada por 2.300 obras. El resultado de la primera fase de la investigación del prestigioso museo británico afecta a 40 pinturas, que se presentan en forma de exposición -Fakes, mistakes and discoveries (falsificaciones, errores y descubrimientos)- el próximo día 30.

En Londres se podrán ver las sorpresas más llamativas a las que se han enfrentado los expertos. Replantean o retiran la firma de obras atribuidas en nuestra memoria a Botticelli, Hans Holbein, Rembrandt, Rafael, Durero o Jan Gossaert. A veces se descubre al auténtico autor; otras, como en el caso de El soldado muerto, de Velázquez, persiste la incógnita. Pero, certezas aparte, lo que resulta realmente apasionante es conocer cómo han trabajado los expertos con cada una de las obras "sospechosas" y en qué pruebas han fundado sus conclusiones.

"La historia del arte es muy joven y una buena parte de ella es una historia atribucionista", afirma Miguel Zugaza...

El engaño premeditado en el mundo del arte antiguo no es la principal causa de las falsas autorías. Miguel Zugaza, director del Museo del Prado de Madrid, asegura que todos los museos del mundo hacen constantemente cambios de atribución de obras en su colección. "Supone un fruto más del avance en el conocimiento sobre sus colecciones. Muchas veces nos olvidamos de que la disciplina de la historia del arte es muy joven y una buena parte de ella es una historia atribucionista".

"Nuestros visitantes tienen derecho a saber cómo se cuidan y se estudian sus cuadros", señala Ashok Roy...

Saint George and the Dragon (hacia 1470), de Paolo Uccello. La historia que reproduce el cuadro procede de una colección de vidas de santos escrita en el siglo XIII, The Golden Legend. Uccello realizó una versión anterior y menos dramática del mismo tema que se encuentra en París.- NATIONAL GALLERY

Los comisarios de la exposición de la National Gallery de Londres, Marjorie E. Wieseman, conservadora de pintura holandesa, y Ashok Roy, director de investigación científica del museo, ponen como ejemplo de puro engaño y falsedad el cuadro Portrait Group (retrato de grupo), adquirido en 1923 con el convencimiento de que se trataba de una obra del siglo XV. Pero ahora han comprobado que la tela contiene pigmentos utilizados por primera vez en el siglo XIX.

Otro ejemplo es el Retrato de Alexander Mornauer, comprado por el museo en 1990, pintado por un artista alemán desconocido y durante mucho tiempo atribuido a Hans Holbein. En este caso, los expertos constataron la aplicación de una capa de pintura azul sobre el fondo original marrón; además, había una modificación en la caída del sombrero del hombre retratado.

Pero hay artistas especialmente maltratados por el engaño. Botticelli es la gran víctima en la National Gallery. La exposición dedica un espacio propio a las dos obras adquiridas en 1874 convencidos de la autoría de Botticelli. Una de ellas era Venus y Marte, de Sandro Botticelli (aproximadamente de 1485), una de las joyas de la colección permanente. La otra era Alegoría, considerada compañera de Venus y Marte y valorada por algunos críticos en aquel momento como una obra de mayor calidad. Pero había sido realizada por un discípulo desaventajado de Botticelli. Los dos cuadros se mostrarán uno al lado del otro. De esta manera, los visitantes podrán apreciar las diferencias entre una obra maestra y una copia de estilo.

Hay también falsas atribuciones hechas sin intención de engañar, producto de los llamados errores humanos. Ese fue el caso de El Hombre con calavera, adquirido por la galería en 1845 como obra de Holbein contra el criterio de algunos expertos. Los análisis dendrocronológicos, que determinan la edad del panel de madera utilizado como soporte, demuestran como la pintura es posterior a 1543, año del fallecimiento de Hans Holbein.Hay también falsas atribuciones hechas sin intención de engañar, producto de los llamados errores humanos. Ese fue el caso de El Hombre con calavera, adquirido por la galería en 1845 como obra de Holbein contra el criterio de algunos expertos.

Los análisis dendrocronológicos, que determinan la edad del panel de madera utilizado como soporte, demuestran como la pintura es posterior a 1543, año del fallecimiento de Hans Holbein. Para Ashok Roy, el contenido de esta exposición no es todavía el repaso definitivo de la colección. "Era el momento adecuado para ofrecer al público una síntesis del trabajo de estudio científico y técnico de la colección de la National Gallery con miras a despertar el interés de los visitantes por los procesos y tipos de investigación que facilitan la comprensión de los cuadros. También nos pareció que disponíamos de estudios suficientes para explicar al público cómo trabajamos. El estudio de la colección se realiza principalmente gracias a fondos públicos: nuestros visitantes tienen derecho a saber cómo se cuidan sus cuadros y cómo se interpretan".

La Madonna de los claveles de Rafael, redescubierta por medio de rayos infrarrojos- NATIONAL GALLERY

El estudio de las obras no obedece a sospechas sobre su autoría. Se hace de oficio. "Es un proceso continuado a medida que las obras son recatalogadas, llevadas a exposiciones (aquí y en el extranjero) o tratadas en los estudios de conservación. Alrededor de un 60% de la colección de la planta principal de la National Gallery ha sido objeto de estudio técnico. Pero como disponemos de nuevas técnicas, a menudo nos resulta muy informativo volver a mirar los resultados de exámenes realizados con anterioridad".

Las sorpresas pueden ser muchas en un trabajo de esta envergadura. La mayor de todas, para los comisarios, afecta a una pieza legada a la National Gallery en 1924 como obra del pintor boloñés Francesco Francia (La Virgen y el Niño con un ángel). Es una falsificación deliberada. En los años cincuenta, determinaron la falsedad del cuadro. Pero luego fue rehabilitado. Nuevas técnicas de estudio, por fin, han revelado la verdad que escondía el cuadro: es una copia de una pintura del Carnegie Museum de Pittsburgh (Estados Unidos) realizada en el siglo XIX.

En España, de manera más esporádica, ha habido recolocaciones de autorías. La más sonada y polémica afecta a El coloso, de Francisco de Goya, el artista más copiado debido a su enorme éxito en vida. La conservadora del Museo del Prado Manuela Mena fue la encargada de anunciar al mundo la polémica orfandad de ese cuadro. El anuncio sentó mal a muchos expertos: consideraban que se hizo sin suficientes pruebas o, por lo menos, sin que estas fueran incuestionables.

El historiador de arte español Valeriano Bozal ha pedido, sin éxito hasta el momento, un encuentro de expertos internacionales para abrir un debate sobre la autoría de El coloso. Él considera imprescindible llegar a un consenso sobre la atribución. "No se ha hecho así. Se le ha quitado la autoría a Goya con unas pruebas débiles y poco relevantes. Se ha mutilado el patrimonio sin argumentos contundentes".

Miguel Zugaza asegura que "todas las opiniones son bienvenidas y merecen nuestro respeto. El debate es siempre enriquecedor. De hecho, para el estudio de El coloso también hemos realizado algunas consultas con especialistas externos". El director del Prado señala a Goya como el artista con más pinturas cuestionadas: "Según surge el interés dentro y fuera de España por su obra en el siglo XIX aparecen multitud de imitadores y en algunos casos falsificadores de sus temas y de sus obras". Zugaza, más que esperar nuevas sorpresas en el futuro, señala que "la misión principal de la institución es seguir avanzando en el conocimiento de las colecciones".

El Museo del Prado no tiene previsto secundar la iniciativa de la National Gallery sobre el arte y la copia. "Veo esta exposición como un homenaje al estudio crítico de la obra de arte que hacen los museos, un trabajo en el que se sustenta la propia credibilidad y autoridad de estas instituciones. Todos los museos del mundo hacen constantemente cambios de atribución de obras de su colección", subraya Zugaza.

¿La confusión en el arte antiguo la viviremos también en el arte contemporáneo? Ashok Roy lo ve más que probable. Zugaza, en cambio, es optimista. "Afortunadamente, tenemos más información sobre cualquier artista contemporáneo que sobre los maestros antiguos. Imagínese si el Prado en vida de Goya hubiera publicado su catálogo razonado. Nos habríamos ahorrado dar algún que otro disgusto".

Close examination. Fakes, Mistakes and Discoveries. National Gallery. Trafalgar Square. Londres. Del 30 de junio al 12 de septiembre. www.nationalgallery.org.uk.

Por fin !! los PIXIES en Mèxico ...

2010-06-13T17:11:00.005-05:00

Pixies - Doolittle live at Brixton Academy 9th October 2009

El grupo de rock PIXIES debutará en escenarios mexicanos el 17 de octubre, en el Teatro Metropólitan, como parte del festejo del 20 aniversario de su álbum -->Doolittle. Además se prevé que la banda funja como headliner del Festival Capital, a realizarse el 16 de octubre en la Curva Cuatro, del Autódromo Hermanos Rodríguez, y en el que también participarán otras agrupaciones internacionales. (N.C.)

El Chavo del 8% ...

2010-06-13T17:01:00.004-05:00

Por Javier Matuk...

Tema complicado y sin aparente solución. La piratería o copia ilegal de contenidos existe desde que existen los mismos contenidos. Lo “ilegal” del asunto lo determina el dueño de los derechos de autor –el que normalmente gana dinero- en toda la ecuación.

Hace años, cuando comprábamos un disco LP en el supermercado y luego grabábamos el cassette para intentar conquistar a una chica, ¿estábamos pirateando? Probablemente sí, desde el punto de vista de los dueños de los derechos (léase las compañías disqueras) pero, ¿les importaba? En lo absoluto. No existía Internet y sus problemas eran muy diferentes.

Hoy las cosas han cambiado. Desde el golpe mortal que le dio a las empresas discográficas (o disqueras) la invención del formato MP3 y las conexiones más robustas a la red, prácticamente se puede conseguir cualquier canción, disco o colección completa de un grupo sin pagar un solo peso, en calidad digital y sin mayores complicaciones. Los cientos de miles de reproductores digitales y celulares que se usan a diario en el país para esto, ¿pagaron derechos de autor? Ni en sus más salvajes sueños.

Lo que ha venido a cambiar es la forma, pero no el fondo. Afortunadamente siguen existiendo los músicos, aquellos que componen y que traducen una serie de pensamientos en las melodías que nos llenan de todo tipo de sensaciones. Ahí están los grandes de siempre, pero también una gran camada de bandas nuevas que serían básicamente inexistentes si no es por Internet y su poder de penetración a bajo costo (para el músico). Que quede claro: los integrantes de una banda o el solista, ganan por cantar en vivo. Las disqueras ganan por vender copias (normalmente CDs). Los músicos felices. Las disqueras sufren. Los músicos quieren y aman a Internet, las disqueras, lo detestan (o al menos eso parece).

¿Qué pasa con el Chavo del 8%? Armando Báez Pinal, diputado (del PRI) propuso la semana pasada una iniciativa de ley para gravar con el 8% a la compra de todo tipo de productos utilizado para almacenar “información digital”. Reproductores de música, memorias USB, discos CDs o DVDs vírgenes, computadoras, en fin, prácticamente cualquier cosa electrónica hoy en día puede ser usada para almacenar “piratería”. ¿Por qué este nuevo impuesto? Para aliviar la pérdida de dinero que produce “a la industria” la copia ilegal de contenidos. De esta forma, ese 8% podría pasar directamente organismos como la Coalición por el Acceso Legal a la Cultura A.C. ¿Qué es eso? Lo mismo me pregunto.

¿Cómo le va quedando el ojo? A mí, más que cuadrado. En serio no sé cómo se les puede ocurrir gastar tiempo en semejantes disparates aquí en México. El jueves pasado los rugidos de Twitter se hicieron presentes ya que mucha gente comenzó a comentar sobre el tema con la etiqueta #CanonMX (el término proviene del Canon Digital de España, situación parecida donde pagan un porcentaje de impuesto adicional que va directo a varias sociedades de autores).

¿Qué tal? Lo absurdo de la propuesta se puede resumir en: 1) la gente copia de forma despiadada todo tipo de contenidos usando Internet y los graba en sus computadoras, sin pagar un solo centavo de derechos de autor. 2) los dueños de los derechos (no necesariamente los autores) no tienen como obtener ganancias de esas copias porque no pasan por sus manos, no las controlan, no saben nada de ellas y es más, yo creo que no pueden mi medirlas. 3) como todo esto merma los ingresos de los dueños de los derechos, cobremos un 8% de impuesto a todo lo que almacene bits y bytes, no en forma directa al consumidor, sino a los fabricantes. 4) los fabricantes no van a absorber este nuevo gasto, así es que el usuario (usted y yo) terminaremos pagando un sobreprecio para calmar la sed de ingresos de los grupos “autorales”.

La forma más sencilla –y lucrativa- de piratería se encuentra en la banqueta, en el metro, en los mercados y en los tianguis. Si primero se erradica el millonario negocio de vender CDs a 10 pesos, entonces se podría pensar en leyes como esta que pretenden “ayudar” a los autores. Pero mientras haya un solo disco pirata a la venta en la calle, cualquier otra iniciativa pasa a segundo término, ¿no?

Señores autores, compositores e intérpretes; señores ejecutivos de las empresas discográficas: este mundo ya giró. Ya no se gana igual por vender copias de un disco. Ahora se gana por tocar en vivo y por darle al público lo que quiere ver. Internet llegó y se metió en nuestras vidas permanentemente, por más trabas que pongan, siempre habrá copias “sin fines de lucro” o como quieran llamarles.

Estoy probando un par de teléfonos inteligentes con Android y ¿saben qué?, desde el propio aparato se descargan las canciones sin pago de derechos, en el celular, ya no en la compu, rapidito, sin problemas, al instante. ¿Cómo van a atacar eso? ¿Viene la propuesta del Chavo del 16% a los celulares?

DEL SITO COOKING VINYL

2010-06-13T16:30:00.004-05:00

Brendan Perry - Ark Live Crok, 27.05.2010.rar

Brendan Perry lanza su segundo álbum solista ‘Ark’ el próximo Lunes 7 de Junio. Como la otra mitad del Legendario grupo Dead Can Dance por casi tres décadas, la música de Brendan ha sido escuchada por fans alrededor del mundo y Dead Can Dance sigue siendo la banda o artista de mayores ventas para el sello 4AD.

Grabado en su propio estudio en Irlanda, ‘Ark’ es realmente un trabajo solista, Brendan toca todos los instrumentos, escribió todas las letras y ha sido la única fuerza creativa en cada uno de los ocho tracks. Toda la instrumentación en ‘Ark’ es sampleada o proviene de sintetizadores, y en las propias palabras de su creador, está basada en una teoría creativa en la cual ‘una capa de sonido electrónico neutral eventualmente reflejaría un mundo que se esta convirtiendo cada vez mas dependiente de las maquinas para que realicen tareas para nosotros'. Con este marco de influencia, el álbum incluye música de los cuatro lados del mundo y crea un sonido global con temas globales.

Aunque ‘Ark’ no es un álbum conceptual en el más estricto sentido del término, combina temas que van recorriendo los ocho tracks del album. La lírica del primer tema ‘Babylon’ se enfoca en el conflicto del medio Oriente y se combina con ‘The Bogus Man’ y ‘This Boy’ para ponerle una cara humana a aquellos que han tenido que sobrellevar una guerra hecha por políticos. Concurrentemente con las investigaciones acerca de conflictos y corruptelas políticas Brendan hace consideraciones acerca del deterioro del comportamiento humano en la naturaleza y la creciente segregación provocada por la influencia de las maquinas.

Tracklisting

1. Babylon
2. The Bogus Man
3. Wintersun
4. Utopia
5. Inferno
6. This Boy
7. The Devil And The Deep Blue Sea
8. Crescent

Traducción: Dahlia Delgado
Mayo 2010
Mexico City

InFormaciòn del Mundial 94 por ROCK101...

2010-06-13T15:59:00.004-05:00

Fuente: Libro ROCK101

*La Copa del Mundo 1994 por cortesìa de la Secciòn Amarilla, Brandy Presidente, y American Express...Traveler Checks, pìdalos por su nombre*

Cuarta de 5 partes del oscurantismo futbolero:
"Los Cariocas"

"...y Brasil no se queda atràs con respecto a festejar que su selecciòn gane...Imagìnense !! con el sabor que tienen los brasileños, los festejos que deben realizarse allà. Estarìa para darse una vueltecita, y cada vez que la selecciòn brasileña juega en Estados Unidos todo el paìs "para" desde unas tres horas antes; los comercios cierran, por lo cual uno no puede encontrar una tienda abierta, todo està cerrado y todo mundo està viendo el partido en su casa. Nadamàs suena el silbato del àrbitro para indicar que concluyò el partido y los brasileños cierran...aquì en Mèxico se deberìan cerrar màs avenidas."

ROCK101

1994

Charly Garcìa en el Auditorio Nacional ...

2010-06-13T14:20:00.004-05:00

Por Lou Spider ...

Estuvo magnífico.

Apareció con una banda poderosa y descargó más de veinte canciones en un Auditorio Nacional desbordado ante la presencia de un grande. Algunas que desfilaron:

Demoliendo Hoteles, Promesas sobre el bidet, Adela en el carrusel, No soy un extraño, Cerca de la Revolución, Filosofía barata y zapatos de goma, Fanky, Rezo por vos (hacia la parte final dijo "esta es para Cerati")…

¿realmente es tan bueno el ex Soda Stereo?

Yendo de la cama al living, Nos siguen pegando abajo, Pasajera en trance, Llorando en el espejo (una clásica de su época con Seru Giran), Nuevos trapos, Vicio, Me siento mucho mejor (gran cover a The Byrds), No me dejan salir y No voy en tren (tal cual, "soy el que cierra y el que apaga la luz" y Charly y su banda desaparecieron tras la frase).

Primer encore: Deberías saber por qué, No se va a llamar mi amor y No toquen.

Segundo encore: Sin su banda y sin Nito Mestre, Charly a solas con su piano y los fans hacen Canción para mi muerte (y volvió a la raíz, interpretó la mejor canción de Sui Generis, de 1972 a 2010 el tema viajó, Charly dijo: "Muchas gracias, esto ha sido todo" y el público coreó la mitad de la canción hasta el final sin piano y sin Charly, "Te encontraré una mañana / dentro de mi habitación / Y prepararás la cama para dos").

El concierto fue maravilloso. ..

Mal, muy mal, dejaron ganar a la indecisión, claro, en parte fundamentada en los antecedentes de Charly; aquella vez que solo tocó como veinte minutos después ofreció un gran concierto de tres horas en el zócalo, en aquella época traía en su banda al baterista de Virus y a la guitarrista, María Gabriela Epumer, (por cierto, el 30 de junio de 2010 se cumplirán siete años sin la que fuera líder de, Viuda e Hijas de Roque Enroll)...Yeahh, "Fanky", de maaaravilla, sonó súper, todo un clásico rockcientoúnico, ¡uff!, gran momento...

Sí …lo del Auditorio es cierto, pero con Charly no había público en las butacas, todos de pié elevando la emoción...

Jaula para pàjaros en tu alma ...

2010-06-13T13:50:00.004-05:00

Por Citric....

Y hace 6 años, aquí, en un día como hoy, se completaba el primer proyecto del foro celebrando el vigésimo aniversario.

Ese proyecto es la piedra angular de este foro; la emoción plasmada en 35 tracks magistrales, esenciales para cada fiesta.

Ese cd fue la llave maestra para aterrizar emociones y plasmar los deseos de revivir un concepto que llevaba varios años en silencio. Fue la expresión concreta de nostalgia, memoria y arqueología musical que inicio esta historia junto con el primer esfuerzo web.

¿Quién no recuerda que la primera pagina web real de internet, fue nuestra, y fue rock101.org…? y quien tenga y respete la memoria, que lo recuerde...somos parte de la historia musical de una leyenda radiofónica, somos el viejo respirador que la mantuvo despierta, sin recursos, con el tiempo comprometido, pero con el deseo puesto y dispuesto a mantenerla sonando, partiendo del cariño en distintos rincones del país.

Su voz seguía palpitando, su nombre se seguía susurrando…su historia su legado.

Su fuerza musical día a día se recuperaba mientras se transformaba para volver a navegar en una era distinta, con la misma pasión y gusto por retumbar su nombre al inicio de una buena canción.

Hoy le celebramos 26 años de vida...... 8 de celebrarla en este foro, y el primero desde aquel día en que se gesto su regreso.

Atte: Un respirador artificial musical con casi 9 años de vida.

¡¡OYELA, ESTÁ MUY BUENA!! (Eso me dijo hace 26 años mi cuate Sergio).

2010-06-13T13:04:00.002-05:00

Por PMedisol...

Mi cuate Sergio (amigo de toda la infancia, adolescencia y juventud), y ya desde chicos traíamos el gen melomano activado al 100% (por aquellos inicios de los años 80's), nos reuniamos en la casa de Joel (qepd), los sábados en la noche par ver "A Toda Música", ese fue el primer contacto con el "New Wave", "New Romantic", etc. etc.

Cuado Sergio entró a la secundaria, entró al turno vespertino, así que ya no pudimos seguir jugando durante las tardes, pero los fines de semana nos seguìamos reunión a ver a OMD, A Flock of Seagulls, Spandau Ballet, Billy Idol, Ultravox, Thomas Dolby, Duran Duran y muchos más.

Un día que yo salí una hora antes de la secu y llegue temprano a casa, me topè con Sergio en el patio de la vecindad y me dijo:

--¿No has oído e "101" de FM?,
¿Cúal? ¿Sonomil 101?, le contesté
--Ahora se llama "Rock 101"
No, no la he oído
¡¡OYELA, ESTÁ MUY BUENA!!
Ya vas, la voy a oir al rato--

Nos despedimos, y cada quien siguió su camino en el viejo patio de la vecindad.

Al entrar a casa, saludé a mi abuelita (que Dios te tenga en su Gloria a Doña Lucía), tiré la mochila en el mismo rincón de siempre y me fuí directo al "Stromberg Carlson", con algo de dificultad sintonicé en su dial con lucecitas una estación que estaba con la "aguja pasaditas del "100".

Y desde hace 26 años me quede con esa música sintonizada en mi mente....

Bienvenido este nuevo lustro de música, ojalá surjan buenos grupos, muchas buenas rolas, se muera el Reggeton y que no se nos adelantén en el canimo genios músicales.

5 de junio, fiesta del 26 aniversario de ROCK101

2010-06-01T10:40:00.002-05:00

Los Stones reeditan su obra maestra

2010-05-23T19:26:00.003-05:00

Posteado por Luis Arturo García Llampallas...

"Exile on Main Street" vuelve a publicarse con 10 temas inéditos...

EFE
El Universal
MADRID Lunes 17 de mayo de 2010

En uno de los momentos más turbulentos de su agitada historia, los Rolling Stones se refugiaron a mediados de 1971 en una casa del sur de Francia para crear su obra maestra, "Exile on Main Street" , un doble álbum que vuelve a publicarse ahora con diez temas inéditos.

Los Stones habían escapado del Reino Unido acosados por el fisco y encontraron cobijo en "Nellcôte" , una villa alquilada en Villefranche- sur-Mer (Costa Azul) por el guitarrista Keith Richards, quien en aquellos días pasaba por uno de sus períodos de mayor adicción a la heroína.

No eran las mejores condiciones para acometer su décimo álbum de estudio, pero de la fecundidad de aquellas sesiones de grabación dan cuenta las canciones adicionales incluidas en la edición especial del disco, cuya versión remasterizada se pone a la venta mañana.

Temas como "Pass the wine (Sophia Loren)" , "Dancing in the light" y "Good time women" no desentonan en absoluto en esta nueva edición al lado de las dieciocho canciones publicadas en "Exile on Main Street" en 1972.

Entre las diez canciones nuevas, que fueron encontradas durante el proceso de reedición del álbum, figuran versiones alternativas de "Soul survivor" y "Loving cup" , incluidas en la edición original del disco.

Mick Jagger llegó a opinar que tal vez "Exile on Main Street" estaba sobrevalorado, pero el disco más largo de la extensa carrera de los Stones es también el más apreciado por la crítica y un fijo en las clasificaciones de los mejores álbumes de la historia.

El éxito del disco doble fue inmediato y debutó en lo más alto de las listas, impulsado por el single "Tumbling dice" , que apareció como adelanto de un álbum en el que compartía los momentos más destacados con temas como "Rocks off" y "Happy" .

La esencia de "Exile on Main Street" se destiló durante las largas noches que los Stones pasaron tocando en el sótano de la casa francesa de Keith Richards, donde mezclaron sus sonidos roqueros con el blues, el country y el gospel.

El productor Jimmy Miller, que había trabajado en los anteriores discos del grupo, acompañó en estas sesiones a Jagger y Richards, al por entonces segundo guitarrista del grupo, Mick Taylor, al bateristaa Charlie Watts y al bajista Bill Wyman.

El bajista era el más reacio de todos a aquel sistema de trabajo y, en realidad, participó sólo en algunas de las sesiones nocturnas, a las que se unieron el pianista Nicky Hopkins y el saxofonista Bobby Keys.

Tras las jornadas en la Costa Azul, "Exile in Main Street" terminó su proceso de elaboración en Los Ángeles y Nueva York, con Miller, Jagger y Richards y Don Was como productores.

Casi tres décadas después de su publicación, "Exile on Main Street" mantiene todo su poder como crónica de un periodo convulso, el que separó las décadas de los sesenta y setenta.

El disco sigue ofreciendo además la lectura del diario de un grupo de músicos que trataba de resistir el temporal que en ese momento arrasaba sus vidas agarrado al mástil del rock and roll.

La publicación de esta reedición coincide con el estreno de un documental que reconstruye la grabación del legendario álbum y que Mick Jagger tiene previsto presentar esta semana en el Festival de Cannes.

Satellite of Love...

2010-05-23T18:55:00.002-05:00

Posteado por José Luis Manzanilla...

Satellite of Love, qué buena canción.....

Una de las letras más sarcásticas de Lou Reed, pero envuelta en una ternura cuasi-pop que esconde un mundo siniestro del que era narrador; uno de muchos ejemplos de como se puede ser pesadísimo sin guitarras distorsionadas ni gritos guturales o súper agudos, ni siquiera un volumen ensordecedor. ....

Lou Reed vivió una juventud rebelde, a tal grado, que sus padres lo llevaron al siquiatra, en esas épocas los tratamientos para muchachitos descarriados eran brutales y en muchos casos llegaban hasta los electroshocks y lobotomías, pasando por toda clase de torturas. Al buen Lou le tocaron los toquecitos después de quien sabe que tantas cosas y una medicación que lo volvió un junkie (adicto), desde los 18 años. Esto, sumado a su gusto por la literatura (sobre todo beat), creó un Frankenstein cronista de los más obscuros aspectos de la sociedad neoyorkina, describiendo con certera pluma y afiladísimo sarcasmo, a los drogadictos, gays, chichifos, transexuales, trasvesties, narcotraficantes, indigentes, borrachos, prostitutas, groupies, junkies y demás flora y fauna de la que él mismo formaba parte desde que Andy Warhol lo apadrinara junto con el terciopelo subterráneo (Velvet Underground), en la famosa Factory, por ahí de 1967, cuando grabaron el famoso disco del plátano con cáscara desprendible. ......

Luego vino su carrera solista, un primer disco sin pena ni gloria (aunque a mi me gusta mucho), titulado "I Can't stand it", y luego David Bowie y Mick Ronson al rescate, sí, las mismísimas arañas de Marte junto con el alienígena más andrógino y glamoroso del momento llegaron para producir el segundo disco de Lou: "Transformer" (por no decir trasvesti... .. en esos días cuando MTV no era una cadena de videos por televisión sino las siglas Male TrasVesti, según dice Rupert Holmes - Him, The Piña Colada Song).

Este disco desde la portada muestra a Reed tocando una guitarra con la bandera gay en el contorno de la misma, en la contraportada tiene a un hombre con la ropa muy pegada, cachucha de piel y tremendo platanote en estratégica zona; la segunda foto es de una "drag queen" muy sexy y lista para caminar por el lado salvaje (Walk on the wild side), título que Lou se robó de una novela de Nelson Algren, en la cual describe el demi-mundo decadente de New Orleans.

Después de haber llegado con aventones desde Miami, Fla., en el camino se depiló las cejas y se rasuró las piernas, y ya no era él, sino ella y dijo: "hey chico, date una vuelta por el lado salvaje", después Candy se volvió la queridita de todos tras bambalinas, pero ella nunca perdió la cabeza, aun mientras le daban cabeza! (frase que se les escapó a los "infalibles" agentes que censuraron la canción en 1972..... ja ja ja!!!) todo esto mientras las "chicas" coloreadas cantaban "du, du du, du du, du du du, du, du du..........

Y luego el “Satélite del Amor” que se fue a los cielos para poner de muy mal humor a Lou, quien gusta de ver la TV; ese mismo satélite que se fue a Marte, lugar que pronto van a llenar con estacionamientos para coches......pero luego sale el pelo en la sopa!!

"Me han dicho que has estado encuerada con Harry, Mark y John; el lunes, martes, miércoles y jueves con Harry, Mark y John.......Y otra vez el “Satélite del Amor” que se fue a los cielos para poner de muy mal humor a Lou, quien gusta de ver cosas en la TV...... genial!

Lou Reed - Transformer (1973)

PuTa seMana...

2010-05-23T17:40:00.004-05:00

Posteado por ACRO...

Primero muere RONNIE JAMES DIO, luego GUSTAVO CERATI ingresa al hospital y es operado de emergencia por una isquemia cerebral, de igual manera BONO ingresa al hospital y es operado de la espalda por un accidente dentro de los ensayos...y ahora LUZ CASAL !!

Luz Casal vuelve a su lucha contra el cáncer

La cantante revela que tiene un tumor "en el otro seno"

CECILIA HERTRAMPF - Madrid - 18/05/2010

"Me dirijo a vosotros para deciros que en mi última revisión me han detectado un cáncer en el otro seno". Con esas palabras, Luz Casal reveló a sus seguidores que vuelve a estar en pie de guerra contra el cáncer de mama que creyó vencer en 2007. "Mis doctores han decidido operarme, por lo que hemos aplazado nuestras citas más inmediatas", continúa la cantante en su web, donde también se anuncia el lanzamiento, el 29 de septiembre, de La pasión, su próximo disco.

Este segundo tumor llega a la vida de Luz Casal en un momento especialmente fructífero de su carrera. Justamente este fin de semana, su talento fue doblemente condecorado. El sábado, la cantante recibió de manos del alcalde de Madrid la medalla de oro, entregada a quienes son considerados ejemplos de la ciudad. El domingo, se convirtió en hija predilecta de la localidad de Boimorto, a la que pertenece la aldea de Andabao (provincia de A Coruña), donde nació hace 51 años. El mes pasado, tras un concierto en la capital francesa, el alcalde de París también la condecoró con una medalla de oro en la misma ciudad donde un año antes había recibido la Medalla de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, de manos del ministro de Cultura, Fréderic Mitterrand.

Con el fin de promocionar su próximo disco, Luz Casal tenía comprometidas ya varias presentaciones, que deberá aplazar por la operación. Una de ellas, que suponía su debut en Estambul, iba a celebrarse esta noche.

Luz Casal - Vida Toxica (2007)

BOOGIE "El Aceitoso"

2010-05-23T17:30:00.002-05:00

Boogie en Proceso
Rafael Rodríguez Castañeda...

MÉXICO, D.F., En su edición número 33, el 20 de junio de 1977, Proceso publicó por primera vez la historieta de Boogie el aceitoso. Nuestra revista tenía unos cuantos meses de nacida, como tenía unos cuantos meses el gobierno de José López Portillo, el presidente que pasó de la frase “tenemos que aprender a administrar la abundancia”, a otra que lo marcó para siempre: “no pago para que me peguen”.

Proceso tenía un costo por ejemplar de 15 pesos y en el principal asunto de su portada trataba un tema común entonces y recurrente casi 33 años después. Para mal o para bien, según se vea, aún no aparecía la plaga de los celulares y por tanto en la foto de portada se veía un aparato telefónico que hoy debe formar parte del acervo del museo de antigüedades tecnológicas, con un encabezado que decía: “Teléfonos intervenidos. - Espionaje político”. Más o menos lo mismo de hoy…

Desde esa edición, Boogie el aceitoso se apoderó de la última página de la revista, y no la abandonó hasta la edición 1040, el 6 de octubre de 1996. El personaje no murió en un tiroteo entre mercenarios, como sin duda le hubiera gustado. Simplemente, su autor dejó de hacer la historieta.

A Boogie ya se le conocía en México. Apareció esporádicamente, entre otras publicaciones, en Revista de Revistas, cuando era dirigida por Vicente Leñero. Pero fue en Proceso donde Boogie se hizo no sólo popular sino imprescindible, como la lectura misma del semanario. Durante aquellos casi veinte años, Proceso solía leerse de atrás para adelante. Por lógica la gente veía primero la portada. Pero en seguida la volteaba para leer a Boggie y sólo entonces –quizás, tal vez, a veces sí y a veces no— procedía a leer el contenido. En Sanborns ni siquiera tenían que comprarla: se echaban a Boogie ahí, recargados en la mesa de revistas, junto a la caja y luego, a leer su publicación de espectáculos preferida… Más o menos como ocurre ahora, pero sin Boogie.

¿Quién y cómo era, en el comic, Boogie el aceitoso?

Así lo describía su propio autor, el escritor e historietista argentino Roberto Fontanarrosa:

“Un mercenario sin ideas políticas, un violento, un matón…

“Un defensor del sistema de vida norteamericano, racista, mujeriego y machista, antihéroe, anticomunista. Es un profesional eficiente, ese es su valor moral, se mueve de acuerdo con el dinero… Boogie es siempre el personaje que alguien quisiera ser: duro, inviolable, coherente, sin mutaciones anímicas, con la glándula moral alterada… No es ni pretende ser simpático; es totalmente amoral, desprendido de sentimientos, tal como son algunos seres humanos…”

Es posible que hoy en día, algunas de aquellas historietas nos parezcan en México hasta tiernas y Boogie el aceitoso semeje una hermana de la caridad, en comparación con la violencia que sacude diariamente al país. En fin, todo evoluciona, hasta el segundo oficio más antiguo del mundo: el de los sicarios.

¿Por qué Fontanarrosa eliminó a este personaje que forma parte de la historia entrañable de Proceso?

A fines de 1997, en una entrevista, lo explicaba así, de una forma parca pero rotunda:

“Ya no lo hago más. No tengo tiempo de seguir con él. Claro, podría haber eliminado a otro personaje, pero la verdad es que no tengo ganas de seguir con él y, en este oficio, si no tenés ganas, se nota. En realidad durante mucho tiempo seguí haciendo Boogie nada más para la revista Proceso…

"Tengo una especie de deuda con Proceso, porque admiro la lealtad que siempre tuvo con Boogie. Nunca me expliqué por qué lo publicó y tampoco por qué lo mantuvo tantos años.

“Tal vez el día de mañana –concluía Fontanarrosa— Boogie reaparezca; no lo creo, pero podría ser…”

La historieta de Boogie el aceitoso no reapareció. Y no lo hará nunca más porque su autor, Fontanarrosa, murió a los 63 años en la ciudad de Rosario, donde nació.

Sin embargo, Fontanarrosa cometió un error en el que Boogie no hubiera incurrido. No mató a su personaje. Sólo se cansó de dibujarlo y así lo dejó vivir. Por eso, a un paso de que culmine la primera década del siglo 21, Boogie el aceitoso reaparece, ahora en versión de animación cinematográfica… gracias a una insólita aventura de coproducción entre Illusion Studios, de Argentina, y Proceso, la revista que lo lanzó al estrellato en México.

Fuimos sordos a su mensaje - Hook

2010-05-23T16:40:00.007-05:00

Por Luis Carrillo...

Este año, Peter Hook rinde tributo a su amigo con una gira en la que expone completo el álbum Unknown Pleasures.

Ciudad de México (18 mayo 2010).- Atormentado por sus fuertes ataques epilépticos y ante su inminente divorcio, Ian Curtis, líder de Joy Division, tomó una soga, la ató al techo de la cocina y, horas después, fue hallado colgado al interior de la casa número 77 de la Calle Barton, en Macclesfield, Inglaterra.

Curtis tenía 23 años aquel domingo 18 de mayo de 1980, y hoy, a tres décadas del suceso, en la memoria de sus allegados y miles de fans perdura la que fue una de las historias de rock más dramáticas y, a la vez, fascinantes.

Peter Hook, bajista de la banda y quien recibió la noticia esa misma mañana, dice que lo que prometía ser una prolífica carrera quedó cortada de tajo por sorpresa, y reconoce que las oscuras letras de Curtis ya dejaban indicios de lo que podía suceder, pero nadie hizo caso.

"Si uno analiza las letras de muchas canciones de Joy Division, ahí estaba todo. Ian nos indicaba, en cierto modo, lo que pasaba en su interior, aunque por fuera no pudiésemos verlo claramente, por inexpertos. Lo teníamos ahí y fuimos sordos al mensaje y a sus letras", comenta Hook, en exclusiva vía telefónica desde su casa en Mallorca.

"Yo estaba desayunando y recibí una llamada telefónica en la que un oficial de policía me dijo que Ian se había matado. Colgué y continué mi desayuno. Le dije a mi entonces pareja que Ian había muerto. Como verás, éramos muy chicos, tardé mucho en reaccionar y comprender lo que había pasado. No asistí a su funeral, y quizás, ahora que lo veo mucho tiempo después, me arrepiento por ello".

Los integrantes de Joy Division estaban eufóricos de cara a su primera gira en EU luego del gran éxito en Europa, pero la nube que los envolvió tras el deceso de Curtis tuvo un efecto extrañamente inverso.

El culto por el hombre del baile frenético se multiplicó en varios países, y, según Hook, la vivencia se transformó en uno de los hechos más entrañables del rock.

"Cómo pasa el tiempo. Es difícil creer que 30 años después yo estaría hablando contigo al respecto. Ian era un tipo alegre y talentoso, mientras estuvo con nosotros gozamos de una química impresionante, unión, liderazgo... Nos entendíamos a ojos cerrados, y Joy Division pudo ser una de las bandas más grandes de la historia. Aun así, lo fuimos pese al corto tiempo (cuatro años). Tienes que estar en el lugar y tiempo correctos.

"Siempre fue interesante preguntarnos cuántas veces morimos como banda desde que se dio lo de Ian. Podríamos decir que morimos en varias ocasiones porque las ideas cambian y uno debe seguir al corazón. Su fallecimiento se asemeja a una llanta ponchada que arrastramos durante mucho tiempo, hasta que pusimos aire y continuamos. No niego que, en algún sentido, la pesadilla permanece", comenta, en alusión a la posterior transformació n en New Order, una de las agrupaciones más importantes en los 80 y 90.

Justo este año Hook rinde tributo a su amigo con una gira en la que expone completo el álbum Unknown Pleasures, debut de Joy Division, en 1979.

"Nuestra actitud y fe cambiaron tras la muerte de Ian, hubo una especie de diversión que simplemente fue creciendo con los años. Es muy común en las bandas pensar que uno debe continuar pese a las circunstancias, y eso hicimos, aunque es difícil equilibrar pasado y futuro. No somos el primer grupo al que le pasa esto ni el último, es parte de la vida y de la música. Crecimos muy unidos, en torno a esa intimidad, es lo que nos tocó experimentar y lo asumimos".

En la lápida de Curtis se lee: "Love Will Tear Us Apart", el mayor hit del grupo. Deborah, su viuda, pidió que se inscribiera el nombre de la canción aun cuando la letra alude a la infidelidad de Ian y el fin de su relación.

I r r E p e T i b l e ...

2010-05-23T16:24:00.003-05:00

Por Xosean...

Corrimos con la misma aprehensión que tendríamos si nos persiguiera un terrorista chiíta, pero con la alegría del niño que oye la chicharra y sale al recreo desbocado.

La Plaza ya nos era familiar y no por los toros, sino porque ahí el viejo Tigre hispano ya nos había enseñado lo que era esperar dos horas bajo la lluvia para escuchar un auténtico maestro del rock en español.

Como siempre el contenido de nuestros bolsillos nos llevó a la parte más alta del coso y aunque nunca se llenó, no nos detuvimos hasta encontrar el mejor lugar disponible, justo en la barandilla del tercer piso, donde el embudo provoca vertigo con sólo asomar la nariz.

Ese 20 de febrero de 1988, Simón y yo no encontramos eco en nuestros compinches y fuimos a ver en binomio a Nacha Pop, Danza Invisible y Kerigma, pero eso traía una vergonzosa historia detrás.

Mi estupidez juvenil me había hecho regalarle a una chava los dos boletos de "abajo" con la inocente esperanza de que con ello se fijara en mí. Los compré con una quincena de sueldo completa pensando en ir con ella y cuando los vio se aventó como pantera, le gritó a su hermano que ya podía estar tranquilo, porque ya no se perderían a Danza Invisible, su grupo preferido.

Menso a mis 17 añitos no dije: "¡Hey!, ¿cómo que con tu hermano?". Cogí lo que me quedaba de dignidad, que no era mucho, cargué con dos toneladas de vergüenza y me abrí paso entre la desvergüenza de ella y me fui a mi casa.

Al otro día con lo poco que me quedó, de dinero, porque la dignidad se me cayó en el camino, hablé a Simón y le propuse que fuéramos a ver si de casualidad encontrábamos dos boletos baratos para el concierto.

Total, los conseguimos y entramos. Ahí desde el balcón, la tristeza de la babosada cometida me duró un rato mientras Kerigma, uno de los grupos más finos del rock mexicano y quizás a uno de los que menos justicia se la ha hecho, entonaba "Sin rumbo", "Mi espera" y "Nena" (no pidas si no vas a dar). Su cantante, Sergio Silva (al que nosotros le decíamos el insepulto por su cara de muerto de tres días) me recordaba lo tarado que había sido, aunque cantara "Juana la Loca".

Luego vino Danza Invisible, grupete de baturros de poca monta, cuyo único mérito era aquella de "Sin aliento". ¿Y para esto me dejé arrebatar los boletos? Malísimos. De plano nadie los peló y todavía se atrevieron a pedirnos que cantáramos con ellos. "¡Pues pásenos las letras!", les gritó Simón y hasta la fecha me cago de la risa cuando lo recordamos.

"Hemos llegado de Madrid y nos hemos encontrado con una ciudad impresionante, interminable, no se acaban las calles", con estas palabras nos recibió Antonio Vega y empezó esa gran canción. Fue impresionante.

Por primera vez en nuestras vidas escuchamos en vivo, "Décima de segundo" (pufffff), "Vístete","Persiguie ndo Sombras", "Grité una Noche", "Relojes en la oscuridad", "Lágrimas al suelo", "Asustado estoy", "Desordenada habitación". Se mezclaban el pop lúcido de Nacho con el nostálgico rock, lleno de poesía y con letras que si acaso se pueden comparar con lo que Santiago Auserón hacía con Radio Futura. Un manjar similar a un merengue que pones sobre la lengua y se va desintegrando pero llenado de placer la papilas gustativas del alma.

Casi para cerrar, vino el grito que dimos cuando la guitarra de Vega empieza a ser rasgada por las notas de "Lucha de gigantes" me sacó los ojos de sus cuencas. Estoy seguro que ese día estaba ahí Alejandro González Iñarritu sentado junto a Lyn Fainchtein y pensaron sin decirse nada, el día que haga una película, no sé cómo, no sé por qué esta canción será el soundtrack. Afortunadamente existieron los Amores Perros y muchos que nacieron después o que no se habían dado cuenta de ellos, conocieron a Nacha Pop. Jamás volvieron a dar un concierto en México o América Latina, ahora más que nunca esto merece aquella definición de un momento irrepetible.

De mi dignidad, mi sufrimiento y todo lo demás, no hubo más, aquélla pérfida ratera fue un último recuerdo que no volvió desde que Antonio nos cantó "Chica de ayer", y eso fue, aunque todavía era hoy, ella ya era de ayer.

PD: Hoy murió Antonio Vega y me pegó. Cuando Cyn me lo dijo en la mañana yo pensé que había sido Nacho Vega, su primo, pero cuando supe que era él, me volvió a pegar. La maldita heroína lo arrastró como amarrado a un tren, pero su genio irrepetible no es ochentero o de la movida es, para quien lo quiera escuchar, clásico. Verlo en su última aparición en TV antes de cumplir los 51, con los que se iría a calacas, me conmovió como a Bosé.

Véanlo, la canción es entrañable.

Duda acerca de viñeta...

2010-05-23T15:20:00.004-05:00

Por Surferock101...

En la viñeta de Getting Away With It de Electronic, cuàl es la primer palabra que dice LGS?

¿Extricate?
No le entiendo bien què dice, sí alguien me puede sacar de la duda porfa....

Esta es la viñeta:

Extricate (Aqui la duda; si es asi?)

El presente de la locura europea
más àcida y psicodélica
fue la grabación anterior.

Johnny Marr guitarrea,
Bernard Sumner y Neil Tennant,
cantan lo que indica una mezcla Smiths,
New Order, Pet Shop Boys

de

Getting Away With It
Saliendose con la suya.

Con el nombre --> Electronic
esta es la grabación de aqui.

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